Rebelle dans l’âme, rebelle dans l’art

Si le jeune Piero Fornasetti rêve d’éprouver sa fibre créative depuis qu’il est enfant, son passage à l’Académie des beaux-arts de Brera, lui laissera un goût amer. L’établissement interdit le travail sur modèle vivant ; il n’en faut pas plus pour que le jeune peintre s’indigne. À 19 ans seulement, il remet en cause ces méthodes qu’il trouve dépassées et se voit exclu de l’Académie pour indiscipline. Tant pis, il tracera sa voie ailleurs. 

Loin de se décourager, Fornasetti se fait la main dans l’atelier de son père — vendeur de machines à écrire — et expérimente plusieurs techniques de gravure et d’impression : lithographie, travail sur cuivre, pointe sèche, monotype, tout y passe. À la suite de son renvoi, en 1932 , il intègre l’École des Arts appliqués de Castello Sforzesco où il se forme en autodidacte.

Son travail paie et son imprimerie d’art ne tarde pas à attirer l’attention du grand maestro du design, Gio Ponti. L’année 1939 marque le début d’une belle collaboration entre ces visionnaires qui laisseront leur empreinte dans le patrimoine artistique italien. 

Les premières commandes affluent et le succès va crescendo, si bien qu’en 1940, Fornasetti inaugure son atelier. Meubles, couvertures de magazines, livres d’art, fresques… La force de l’artiste, c’est sa polyvalence, mais aussi sa grande intuition — ladite « Folie pratique » —, mettant la beauté et la créativité au service de l’usage.

Dès 1943, la guerre pousse Fornasetti à l’exil. Il trouve refuge en Suisse où il devient dessinateur au sein d’une entreprise textile. Au cœur de cette période trouble, la résilience est de mise : le peintre continue, malgré tout, à explorer ses aspirations artistiques. C’est à son retour à son retour à Milan que le véritable succès l’attend. Les années 50 marquent un nouvel essor pour Fornasetti, dont la renommée gagne peu à peu le reste du monde et son style inégalable fait des vagues. À la source de cette audace, un grand désir de liberté : « Je ne crois pas aux époques ni aux dates. Je n’y crois pas, affirme-t-il. Je refuse d’établir la valeur d’une chose en fonction de la date. Je ne me fixe pas de limites et rien n’est trop ésotérique pour être pris pour source d’inspiration. Je souhaite libérer mon inspiration des limites de l’habituel ».

L’obsession « Tema e variazioni » 

Fornasetti, c’est aussi un visage ; un visage de jeune femme au regard pénétrant et aux traits sereins qui n’est jamais tout à fait la même, jamais tout à fait une autre… 

Dès 1952, la série « Tema e variazioni » prend vie : Piero Fornasetti reproduit, réinterprète et recompose le portrait de Lina Cavalieri d’innombrables fois au fil des ans. L’exercice vire à l’obsession, l’obsession devient une icône. Sur les assiettes en porcelaine comme sur les lampes, au naturel ou détourné à la manière surréaliste, le visage de Lina Cavalieri prend mille et une formes ! « L’obsession de Fornasetti était contagieuse. Elle est devenue la nôtre », en vient même à conclure le journaliste Glenn O’Brien. 

Chanteuse d’opéra et actrice, Lina Cavalieri connaît, durant la première moitié du XXe siècle, un succès immense et nombre d’artistes s’entichent de celle qu’on surnomme « la plus belle femme du monde ». Si Fornasetti en fait sa muse, il ne l’a pourtant jamais rencontrée : c’est au hasard des pages d’un magazine que le visage de la cantatrice apparaît à l’artiste. Bien qu’elle incarne pour lui tous les canons d’une beauté classique, Fornasetti en fait un motif obsédant qu’il détourne avec humour et poésie, comme un signe avant-coureur du mouvement Pop art. Piero Fornasetti en avance sur son temps ? Ce ne serait pas la première fois !

Fornasetti : un nom, un héritage

Plus qu’un nom, c’est une audace singulière et un esprit créateur que Piero lègue à son fils Barnaba. Le jeune homme marche sur les pas de son père et en vient même — ironie du sort — à fréquenter l’Académie des beaux-arts de Brera. Très vite, il tire son épingle du jeu : sa collaboration avec le designer italien Ken Scott et sa position de directeur artistique pour la revue underground Get Ready lui donne des ailes et le lance dans le milieu du design. 

Dans les années 80, père et fils entament ensemble un nouveau chapitre et Barnaba rejoint l’Atelier Fornasetti. Pour inaugurer cette nouvelle collaboration, les deux designers insufflent à une Ford Granada ce petit grain de folie signé Fornasetti.

Si Piero Fornasetti disparaît en 1988, l’empreinte laisse sur le monde de l’art et du design est indélébile. Désireux de perpétuer l’héritage de son père, Barnaba reprend la direction de l’Atelier. Il consacre plusieurs années à passer en revenue le travail de son père et à en extraire la substantifique moelle. Plus encore, il décline l’univers de Fornasetti sur des supports jamais explorés jusqu’alors. Sous son impulsion, l’Atelier signe par exemple sa première collection de vêtements, lance une série de vases devenue iconique, et produit même sa version du Don Giovanni de Mozart. Barnaba étend la créativité plus loin encore en signant une collaboration artistique avec Comme des Garçons puis avec l’artiste britannique Anj Smith. La consécration arrive en 2017, alors que le designer est récompensé du MAD visionaries! Award. Il faut croire que la pomme ne tombe jamais très loin de l’arbre.

Repeindre le monde, encore et encore 

Si l’Atelier porte en lui une histoire presque centenaire, sa folie créative demeure intarissable. Fornasetti s’illustre une fois encore lors de la Milan design Week 2025. Ces dernières créations réinterprètent l’un des jeux artistiques préférés de Fornasetti : tordre les dimensions pour rendre le majestueux minuscule. Palais du XVIe siècle et système solaire deviennent les motifs parfaits pour orner les objets du quotidien. La nouvelle collection applique ce principe à la lettre, transformant la maison moderne en un univers onirique où les différents éléments interagissent dans des combinaisons toujours nouvelles. En bouleversant les proportions et en changeant les perspectives : sur les lampes de chevet, les horloges de table ou murales, la vaisselle ou les bougies parfumées, les palais de la Renaissance côtoient le confort et la modernité d’un salon moderne. 

Le ciel, quant à lui, s’invite à l’intérieur sous la forme de soleils et de lunes dotés de traits anthropomorphes. Majestueux, sévère ou malin, le Soleil est souvent un alter ego, engagé dans un dialogue silencieux avec son homologue féminin, la Lune. Dans la réduction ludique du titanesque au minuscule, ce système solaire imaginaire gravite autour de petits accessoires pour la maison. Une curieuse exploration de l’univers, où la seule règle est de laisser libre cours à l’imagination.

Enfin, cette dernière édition de la Milan design Week se place sous le signe de la collaboration. Poltrona Frau et Fornasetti poursuivent leurs efforts communs en présentant deux rééditions uniques : l’emblématique fauteuil 1919 et le coffre-bar Isidoro, imprimé du motif évocateur Ultime Notizie (« Dernières nouvelles » en italien) provenant des archives de Fornasetti. « Dernières nouvelles — dernières nouvelles du pays des merveilles de Fornasetti : Qui de mieux que Poltrona Frau pour développer ce concept et lui donner vie avec un fauteuil sur lequel, dès que je m’assois, je commence à rêver ? », confie Barnaba.

Son héritage, Fornasetti le conjugue au temps présent, le décline, l’étire au-delà des possibles. Le « classique » devient un élément de surprise ; la répétition, paradoxalement, engendre la nouveauté. Pour percer à jour cet univers régi par ses propres règles, l’imagination est la clé ; c’est ici que commence la magie de Fornasetti.

Par Eduardo Costerg

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fornasetti.com

« L’impossible doit devenir possible, malgré les apparences. »

La simple évocation de son nom laisse entrevoir, dans l’esprit de tous, des horizons immenses : Orient Express. Le train le plus luxueux du monde laisse Paris derrière lui le 4 octobre 1883 et embarque pour son premier voyage. Un pari fou, celui de son fondateur Georges Nagelmackers qui, inspiré par son voyage aux Amériques, imagine un palace ambulant tirant un trait-union entre les capitales européennes et les portes de l’Orient. Une épopée magique qui prend fin en 1977. Si par deux fois, le train historique a été ramené à la vie dans les années 80 (sous les noms de Nostalgie-Istanbul-Orient-Express et d’Extreme-Orient-Express), l’étincelle ne prend pas et l’Orient Express retombe dans la légende. 

Alors, comment ressusciter le mythe ? Le faire entrer dans le XXIe siècle avec le même éclat qu’à son âge d’or ? L’inscrire dans l’air du temps sans le trahir ? Maxime d’Angeac, qui n’en est plus à son premier coup de maître, déroule pour nous le fil de sa réflexion: « Tout a débuté autour de dessins, de croquis et de maquettes réalisés à la main. Un travail millimétré. Comme avant. En me glissant dans la peau de ses créateurs, de René Prou à Suzanne Lalique, j’ai tenté de réinterpréter l’histoire de ce train de légende, sans nostalgie aucune, mais avec le désir de prolonger son histoire, de nous transporter ailleurs. Comme dans un rêve. » Le rêve, c’est le leitmotiv qui traverse aussi bien l’histoire du train que la réflexion du designer. « Le point de départ de ce fabuleux projet est un rêve. Une histoire contemporaine qui s’inscrit dans le sillage du mythe Orient Express. Une projection dans une époque, les années 20. Dans la culture du luxe. Et de ses artisans. »

Le mouvement et l’espace comme matière 

« Le futur Orient Express est d’abord un défi technique. Un objet en mouvement, complexe, sacré par la beauté du rythme, défini par les lois de la gravité, traversé par des révolutions technologiques, par l’histoire des inventions et du design. De ces principes s’est construit un projet inédit, résolument contemporain. »

Lieux des rencontres et des surprises, les couloirs du futur Orient Express sont un décor de théâtre à eux seuls. Sous un plafond voûté, ponctué des lampes « fleurs » signées maison Lalique — pièces originales récupérées au sein du Nostalgie-Istanbul-Orient-Express —, la moquette graphique rythme l’espace ; tout ici évoque le mouvement. Les larges fenêtres, comme des cadres suspendus sur les paysages qui défilent, se parent de rideaux brodés et de barres d’appui propices à la rêverie. 

On passe de l’espace du partage à celui de l’intime : la chambre. Pour parer aux lignes et aux plans stricts du train, Maxime d’Angeac introduit la figure du cercle, porteuse de douceur et d’harmonie. Partout, les angles s’arrondissent et les miroirs sorcière s’amusent des perspectives. Les cloisons se couvrent de bois précieux et d’un cuir mural qui réinterprète le célèbre motif « rail » de Suzanne Lalique, tandis que les têtes de lits arborent des broderies de bois mêlant perles de nacre et bronze. Les niches se parent des panneaux Lalique « Merles et Raisins » originaux, ceux récupérés dans les voitures du Nostalgie-Istanbul-Orient-Express. Sur les tablettes en ellipse, journaux, objets et souvenirs de voyage, porte-bouteilles et verres trouvent d’astucieux agencements. Là encore, mouvement et confort s’imposent comme éléments clés. Durant la journée, canapé et sofa invitent les voyageurs au repos, à la lecture ; mais à l’heure de la Grande Transformation (le passage en configuration « nuit »), ils laissent place à un confortable lit de 2 x 1,40 mètre — c’est alors un nouveau voyage onirique qui commence. Avec subtilité et ingéniosité, la salle de bain à portes coulissantes se pare de marbre, tandis qu’un cabinet de toilette et un dressing viennent compléter l’aménagement précieux.

Agencer un espace aussi atypique que les voitures de l’Orient Express sans faire d’impasse sur les agréments du luxe relève du défi. Pour Maxime d’Angeac, la ligne directrice a toujours été très claire : « un projet à échelle humaine, inspiré par la notion du Modulor (système de proportions architecturales s’appuyant sur le nombre d’or et sur la stature humaine standard) établie par Le Corbusier en 1945, par le strict respect des proportions aux sources de la conception, et la recherche permanente du confort à bord. »

Un trait d’union entre les époques 

Plus qu’un voyage à travers des espaces fabuleux, paysages qui défilent au fil des rails, c’est un voyage à travers le temps qui attend les invités à bord de l’Orient Express.

Cent quarante ans après le lancement des premiers trains de luxe, Maxime d’Angeac tient d’abord à rendre hommage aux codes décoratifs du XIXe. De larges coupoles de lumière au style Second Empire, soutenues par quatre colonnes, couvent les salons intimistes de la Voiture-Bar. Du bois de palissandre au marbre couvrant les tables, du bronze des chapiteaux au camaïeu de vert, de la moquette et des fauteuils, tout participe à l’ambiance feutré et à l’élégance du lieu. Délicieux détail : à chaque table, une pendule sonne l’heure du cocktail et du dîner. Le Bar — Pièce maîtresse de la voiture, le bar — s’offre quant à lui un comptoir tout en verre qui revisite les symboles de la maison, véritable hommage à Lalique. Différentes époques dialoguent ici sans se contredire, comme les voyageurs autour d’un verre. Rondeur, liberté, convivialité, tout y est ; et au fond de l’air, il y a quelque chose de romanesque… un parfum d’aventure.

Spectaculaire et inattendue, la Voiture-Restaurant du futur Orient Express se joue des codes et brouille les pistes. Le charme du passé se conjugue au présent : là encore, Maxime d’Angeac réinterprète le motif « rail » de Suzanne Lalique, décliné sur les cloisons grâce à la technique ancienne du carton-pierre. Des tables nappées et des fauteuils enveloppants s’alignent et se reflètent sur le plafond miroitant, éclairé par des lampes à abat-jour s’inspirant des modèles originaux. En cuisine, le chef et sa brigade s’affairent derrière une paroi en verre. Depuis la salle, on devine la chorégraphie qui s’y déroule, on entr’aperçoit la minutie de chaque geste sans pour autant en éventer le secret.

Entrer dans le XXIe siècle sans trahir son héritage, faire du nouveau avec de l’ancien, rendre la prouesse technique indissociable de l’objet d’art, mettre le mythe en mouvement… Maxime d’Angeac, en excellent artisan de la complexité, parvient à concilier tous les paradoxes de l’Orient Express. Il est de ceux que l’on appelle pour ses idées, parce qu’on le sait iconoclaste et entièrement dévolu à ses projets. En écrivant un nouveau chapitre du train légendaire, il donne à voir, selon ses mots : « Un passé recomposé, qui s’affranchit de toutes les modes, pour nous transporter dans une ambiance dénuée de superflu, où chaque détail trouve un sens. Au final, un tableau pour rêver, pensé comme une ambassade du luxe à la Française, un écrin raffiné, et sublimé par le savoir-faire et les talents des meilleurs artisans français. »

Par Eduardo Costerg

CAN YOU TELL US ABOUT YOUR CAREER AND HOW YOU CAME TO IN PHOTOGRAPHY ?  

I was a «Spotter» at the beginning. I just went to the airfield to watch airplanes and take pictures for myself. My career as a professional photographer began while I was still at university. Japan had a particular aviation boom then, and many publications sought photos and articles. This was a time before the internet and even fax machines existed, so everyone was hungry for information. For this rea- son, even though I was still a student, I was already getting assignments in Japan and foreign countries.

WHY DID YOU CHOOSE TO SPECIALIZE IN AIR-TO-AIR SHOTS

I didn’t start air-to-air photography with any particular intention, but since aircraft are essentially things that work in the sky, I guess it was natural that I ended up in this field.

HOW DO YOU PREPARE FOR AN AIR-TO-AIR SHOOT ?

Once an aircraft has taken off, it must land. This means that shooting must be car- ried out within the limited flight time and cannot be interrupted partway through. Also, flying is expensive, so it should be done efficiently. For this reason, there is almost no time to adjust things in the air. The first step is to hold a briefing with the pilot before takeoff to decide the details of the shooting in advance.

WHAT ARE THE TECHNICAL AND LOGISTICAL CHALLENGES INVOLVED IN AN IN-FLIGHT SHOOT ?

As mentioned, you prepare everything before takeoff to ensure the shoot goes perfectly. However, since aircraft fly in three-dimensional space in the air, many uncertainties and unexpected things can happen. The most significant factor is the weather. Dealing with these things appro- priately is one of the biggest challenges.

WHAT EQUIPMENT DO YOU USE ? ARE THERE ANY SPECIFIC SETTINGS YOU PREFER ?

In the past, cameras were vulnerable to temperature and G-force changes, so special equipment modifications were neces- sary. However, today, the reliability of the equipment has significantly increased, and it is now stronger than yourself. In other words, if the environment is one in which the photographer can survive, the equip- ment will work. You do not need to use any special equipment.

HAVE YOU EVER EXPERIENCED A PARTICULARLY DANGEROUS OR UNEXPECTED SITUATION IN FLIGHT ? 

Again, there are many uncertainties in the air, including the weather. The basis of aerial photography is to be prepared to avoid dangerous situations no matter what the circumstances. The number one priority is for all aircraft to land safely, and in extreme cases, even if it means not being able to take any photos, you will abort the flight and land if you feel it is dangerous.

 BEYOND AESTHETIC, WHAT MESSAGE DO YOU WANT YOUR PHOTOS TO CONVEY ?

Aircraft are inherently beautiful, but I strive to capture the dynamism of flight, their harmony with the background, and the unique characteristics of each aircraft. Although this is not directly related to air- to-air photography, it is important to illus- trate the relationship between the pilots who fly them and the mechanics who maintain them.

WHAT ENCOUNTER OR MOMENT HAS HAD THE GREATEST IMPACT ON YOU ? 

Aerial photography is a big industry. It requires the participation and trust of many people to materialize. Ultimately, it is the job of the pilots of the cameraship, the aircraft being photographed, and the photographer, but you cannot take the picture alone.

Also, unlike many other types of photography, you do not photograph the situation that is happening there but rather create that situation together with the pilots and then take the picture. It is a team sport that combines the pilot’s flying skills with your photography skills, and the satisfaction when everything goes well is high.

WHICH ARTWORK ARE YOU THE MOST PROUD OF ? 

Each flight has a different aircraft and shooting environment, making compari sons difficult. However, as a professional photographer, I feel a greater sense of satisfaction when I am able to take the kind of photos that my clients are looking for rather than just being satisfied with myself.

CAN YOU TELL US ABOUT YOUR COLLABORATION WITH JETFLY ?

I have been photographing for Pilatus aircraft for many years, and my relationship with Jetfly began when they started operating the PC-24 directly through Gregory Le Moigne, a well-known French film director, who introduced me to his friend Cedric Lescop, CEO of Jetfly.

Pouvez-vous nous parler de vos débuts dans le monde de l’art ? Qu’est-ce qui vous a poussé à devenir artiste ?

Ça a commencé par une rencontre : en passant devant une librairie, au détour des vitrines, je suis tombé par hasard sur des peintures de Francis Bacon— sur son Étude du Pape rouge, pour être précis. Ça m’a bouleversé. Après ce choc, je me suis mis en tête d’essayer de comprendre ce qui venait de se passer. À l’époque, je ne savais absolument pas ce qu’était la peinture, et encore moins le monde de l’art. Cette rencontre a été ma porte d’entrée. J’ai cherché à apprendre et à comprendre le pouvoir de la peinture, à ma façon, tout seul, avec ma vision des choses. Dès lors, je ne me suis jamais arrêté ; c’est devenu une passion, une obsession. Quarante ans plus tard, je ne sais faire que ça et je n’aime faire que ça. 

Qu’est-ce qui a d’abord happé dans le métier d’artiste ? Qu’est-ce qui vous motive ? 

Ce qui me fascine, c’est surtout l’aspect créatif de la chose ; le monde de l’art en soi, ce n’est pas vraiment ce qui m’intéresse. Je préfère travailler dans mon atelier et peindre, sculpter ou dessiner du matin au soir — être ancré dans ce que j’ai envie de faire. C’est comme ça que je respire, ça ne me quitte pas. Je ne me pose pas la question de ce que je vais faire demain, vous voyez ! 

Quelle est votre démarche créative ? Comment procédez-vous ? 

Je ne connais qu’une façon de procéder : faire ce dont j’ai envie et le ressentir au plus profond de moi-même. Sans ça, ça ne peut pas fonctionner.

Je suis attiré par certaines choses, certaines couleurs, certains sujets… ce sont eux qui me guident. En l’occurrence, les corps et les visages qui me fascinent tout particulièrement — comme tout ce qui relève de l’humain, à vrai dire. J’ai beau aimer l’abstraction, je ne la pratique pas en peinture. J’ai besoin qu’on reconnaisse un élément figuratif dans mes œuvres, de créer autour d’un sujet, et plus que d’un sujet, je dirai même d’une histoire. Lorsque j’entame un tableau, je me raccroche à une narration, au récit du modèle ou à quelque chose en lui qui me touche et que j’ai envie de raconter. Cette histoire, elle passe aussi par ce que je vois, par un physique, par une gueule, par une attitude, par une singularité… Je cherche avant tout à peindre des gens avec une différence, quelle qu’elle soit. C’est toujours cette histoire qui dicte l’œuvre.

Comment donnez-vous à voir cette différence ? 

Pour ne donner qu’un exemple, j’ai peint des tableaux avec ma fille comme sujet. Petite, elle avait un problème aux yeux et portait des lunettes. Un jour, je l’ai trouvée dans la salle de bain, face à un miroir embué. Je lui ai demandé d’enlever ses lunettes et ai pris quelques photos en me racontant l’histoire suivante : sans ses lunettes, elle voit flou ; et la voilà face à ce miroir qui lui renvoie un reflet flou. Je voulais essayer de faire ressentir et de montrer par la peinture la manière dont elle voyait le monde. C’est l’histoire du moins que je me suis racontée.

Au-delà de ça, en peignant ces corps et ces visages, je ne ressens jamais de lassitude : chaque fois que je commence un tableau, j’ai l’impression qu’il s’agit du premier. On pourrait se dire qu’un visage c’est un visage, qu’ils sont tous à peu près les mêmes et effectivement, le nez, la bouche, les yeux sont toujours au même endroit. Pourtant, avec le temps j’ai découvert qu’on peut peindre mille visages différents — ou mille fois le même visage — sans jamais y trouver exactement les mêmes choses. Dans le corps, il y a cette mouvance permanente. Voilà ce qui m’obsède. 

Que trouvez-vous dans la peinture qu’un autre médium ne saurait exprimer ? 

Par la peinture, une transformation presque magique s’opère. C’est assez dingue ! Un coup de pinceau peut tout changer : détruire un tableau ou révéler quelque chose d’extraordinaire. D’une toile qui ne nous parle pas, où rien ne nous touche, on peut faire ressortir quelque chose de très puissant en s’y replongeant le lendemain, à condition, bien sûr, qu’il y ait de la sincérité. On sait tout de suite ce que l’on peint est bon, si une toile transmet quelque chose de fort, ou si, à l’inverse, elle mérite d’être détruite. Parfois, on va trop loin sans savoir comment revenir en arrière, ou bien on ne va pas assez loin en pensant avoir terminé. Oui, c’est très particulier, la peinture. C’est une grande part de ce qui me motive : comprendre ce qu’il y a à comprendre — mais je crois bien qu’une vie entière ne suffira pas !

Comment sait-on lorsqu’une œuvre est achevée ? 

C’est là le grand mystère ! Étrangement, arrive toujours un moment où on regarde son œuvre et on réalise : « c’est fini ! Aujourd’hui, c’est fini », puis on y revient le lendemain et on retouche, on retouche, on retouche… On se rend bien compte que ce n’est pas encore prêt. Et parfois, on va trop loin sans avoir pu saisir le moment où on aurait dû s’arrêter. C’est comme ça ! Quelque part, ça doit faire partie du jeu de la peinture.

En plus d’être peintre, vous êtes également sculpteur. Appréhendez-vous ses deux disciplines de la même manière ? 

La sculpture a effectivement pris une place importante dans ma vie or, c’est un travail très différent. Lorsque je peins, je suis seul et à l’initiative de tout ; tout relève de mes envies et de la manière dont je procède. Lorsqu’on parle de sculpture, c’est plutôt l’inverse ! J’ai besoin de mon équipe, car seul, je ne peux rien faire. Le travail collectif devient primordial. Il faut savoir se montrer patient, composer avec des contraintes techniques énormes et être en mesure de transmettre sa vision à son équipe. C’est essentiel que l’on se comprenne et que l’on instaure un vrai dialogue entre nous pour que le projet aboutisse. 

Selon vous, quelle est votre plus grande qualité en tant qu’artiste ? 

Aujourd’hui, je dirai peut-être la sincérité que je mets dans mes tableaux. Je pense que c’est la qualité essentielle de tout artiste : rester aussi sincère que possible vis-à-vis de soi. 

Quel est votre mot d’ordre, votre mantra ? 

« Tout est toujours possible ». Pour moi, il n’y a pas de limite — je n’en ai jamais eu.

Si vous pouviez remonter le temps et rencontrer l’un de vos modèles, qui serait-ce ? Que souhaiteriez-vous lui dire ? 

Francis Bacon, bien sûr. On discuterait, comme ça, de tout et de rien, de la vie… 

Qu’est-ce que vous a appris la vie d’artiste ? 

Que le monde de l’art bouge sans cesse, mais que le plus important, c’est de rester soi-même et ne pas se laisser embarquer dans les tendances. Qu’il ne faut jamais vouloir être à la mode, mais faire ce dont on a envie ! Moi, je préfère travailler à l’écart et faire mon petit bonhomme de chemin. Suivre son parcours singulier et individuel, ses envies, c’est ça la liberté ! Et il faut rester libre, inconditionnellement.