Qu’avez-vous ressenti en étant nommé ambassadeur d’honneur de Montreux ?

J’ai pris cela comme un immense honneur, une faveur d’importance. Montreux résonne depuis longtemps dans ma tête et dans celle de tous les amoureux de la musique comme une place forte de la musique, avec des programmations audacieuses. En Europe, peu d’endroits ont osé programmer des artistes comme Aretha Franklin ou Ella Fitzgerald. On a toujours entendu parler de Montreux. Être ambassadeur, je ne prends pas cela au pied de la lettre, mais cela me flatte énormément.

Comment avez-vous appris cette nomination ?

Cela a été une surprise. L’annonce a été faite sur scène par le maire de Montreux lors de la dernière édition des Émergences Musicales.

Que représente Montreux pour vous aujourd’hui, humainement et musicalement ?

Montreux a toujours représenté une place forte de la très bonne musique, de la musique bien choisie. Je suis un amoureux du jazz et du rock des années 70. Quand je voyais les programmations de Montreux, cela faisait rêver les jeunes que nous étions dans nos campagnes. Plus tard, il y a eu Marciac près de chez nous, mais Montreux reste l’étincelle, le précurseur.

Avez-vous un souvenir particulier lié à Montreux

Quand j’avais 17 ans, je chantais dans des groupes de rock puis dans des orchestres de bal. Nous interprétions souvent Smoke on the Water. Chaque fois que je prononçais le mot « Montreux » et que j’entendais parler du lac Léman, cela alimentait un rêve. Cette ville que je ne connaissais pas était entourée d’un mystère fascinant. Le jour où je l’ai découverte, toutes ces émotions sont remontées à la surface.

C’est un très beau souvenir. On a presque l’impression de voyager avec vous lorsque vous l’évoquez. À propos du temps qui passe justement, votre œuvre traverse aujourd’hui les générations. Quel regard portez-vous sur la manière dont les jeunes découvrent votre musique ?

Je ne sais pas exactement comment ils découvrent ma musique aujourd’hui. J’entends souvent que ce sont leurs parents ou leurs grands-parents qui leur ont transmis mes chansons, lors des trajets en voiture ou des vacances. Cela passe beaucoup par la filiation. Voir que ma musique se transmet me fait plaisir. Cela signifie que les chansons ont été suffisamment travaillées pour résister au temps. Je me considère comme un artisan : j’ai toujours pris beaucoup de temps pour écrire et polir mes chansons.

Et en ce moment justement, est-ce que vous écrivez de nouvelles chansons ?

Oui. J’écris pour un prochain album. J’ai commencé il y a un an, mais il me faudra encore environ deux ans de travail. Je vais lentement. J’observe beaucoup. Je suis à l’affût de ce qui se passe autour de moi, de l’actualité, des conversations, pour y puiser des idées.

Dans un monde où tout va très vite, vos chansons semblent offrir un espace de respiration… Pour autant, vos textes racontent toujours quelques chose de profond…

Je ne sais pas faire léger. Il me faut une idée que je puisse creuser, avec du sens et de la profondeur. J’aime comprendre ce qu’il y a derrière quelques mots, raconter quelque chose qui ne se contente pas d’effleurer les choses.

C’est cette discrétion que vous cultivez depuis vos débuts qui permet cette  liberté artistique ?

Je suis né à la campagne et j’ai conservé ce rythme-là. Mes grands-parents cultivaient la terre, mon père aussi. J’ai appris la patience et la valeur du temps. Je vis toujours dans cette région et je vais à la vitesse de la province. C’est sans doute ce qui me permet de travailler comme je le fais.

Les thèmes qui vous inspirent aujourd’hui sont-ils les mêmes qu’au début de votre carrière ?

Ils ont évolué parce que l’époque change. J’observe beaucoup la société et la vitesse à laquelle elle se transforme. Mais il faut toujours que cela reste enrobé d’un certain romantisme. Je cherche la bonne manière de dire les choses, parfois de façon à ce qu’elles ne se révèlent qu’à la deuxième ou troisième écoute.

Dans votre répertoire, y a-t-il une chanson que vous ressentez différemment aujourd’hui qu’au moment de son écriture ?

Quand je chante Les Murs de poussière, écrite il y a presque cinquante ans, je la trouve parfois un peu juvénile. Mais elle témoigne d’une époque et de celui que j’étais alors. Cela ne me gêne pas. Mon public continue de me la demander et nous essayons de la réactualiser sur scène, sans la dénaturer. 

En parlant de scène, avez-vous toujours envie de monter sur scène ?

Je ne cours pas après la scène. Ma période préférée, c’est celle que je vis actuellement : seul chez moi avec mes cahiers, mes guitares, mon piano. J’aime énormément ce travail solitaire et silencieux.

Qui découvre vos chansons en premier ?

Je les fais d’abord écouter à ma famille : mon épouse, mes enfants. Ensuite à quelques amis proches.

Le premier cercle est-il toujours objectif ?

(Rire) Le premier cercle est souvent le plus exigeant, mais c’est précisément ce qu’il faut.

Si vous deviez associer Montreux à une image, laquelle choisiriez-vous ?

La statue de Freddie Mercury au bord du lac est évidemment très emblématique. Mais j’ai aussi eu la chance de visiter le chalet de Claude Nobs. J’y ai retrouvé tout un panthéon musical : Leonard Cohen, Van Morrison, Bob Dylan, Aretha Franklin… C’est cet univers-là qui me vient immédiatement à l’esprit.

Quel conseil donneriez-vous à un jeune artiste qui débute ?

De rester lui-même. De ne pas chercher à ressembler à quelqu’un d’autre. Il faut du travail, de la patience, de l’abnégation et ne jamais se décourager. Il faut aussi être un peu têtu.

Le Fairmont Montreux Palace vous évoque-t-il quelque chose ?

Oui, bien sûr. Lorsque je venais chanter au Stravinski, il suffisait de traverser la rue. Je me souviens notamment du bar, très marqué par l’univers du jazz, avec toutes ces photos d’artistes passés par Montreux. C’est un lieu chargé d’une histoire musicale que j’aime profondément.

Si vous deviez imaginer une soirée idéale au Fairmont Montreux Palace, à quoi ressemblerait-elle ?

À ces soirées d’après-concert où de grands artistes reprennent une guitare ou s’installent au piano devant quelques dizaines de personnes seulement. J’aurais aimé assister à ce genre de moment avec Leonard Cohen ou James Taylor. Ce serait ma soirée idéale.

Vous auriez pu être une rock star à la campagne…

(Rire) Quelqu’un de la campagne, ça, c’est sûr. Je suis très content de ce qui m’est arrivé. Je ne sais pas si je suis une rockstar, ça m’étonnerait, mais… j’aime rêver sur ce monde-là.

C’était une belle époque…

Je suis impressionné par tous les artistes qui sont passés à Montreux. S’il fallait en citer un, je mentionnerais sans doute Aretha Franklin, que j’ai énormément écoutée.

Claudia FERREIRA

Devinez votre “pourquoi”

Un plaisir esthétique, un enthousiasme pour la mécanique horlogère, l’envie de transmettre ou de suivre une logique quant à la valeur… les motivations sont nombreuses et il est essentiel de déterminer celle qui guidera vos choix. Ce “pourquoi” est une boussole qui signale les achats impulsifs contradictoires, comme un fil conducteur. L’idéal reste de se fixer un objectif comme le type de montres, la marque, l’année de fabrication ou les complexités particulières.

Ecoutez votre regard

Un instant d’émotion intense, une séduction furtive… laissez-vous guider par un ressenti qui posera la première pierre d’une collection cohérente. Votre regard a raison plus souvent que vous ne le pensez. Mais pour que le coup de cœur devienne un “oui” inscrit sur le long terme, prenez l’habitude de vérifier deux choses -confort et polyvalence, au rythme de vos styles de vie.

Choisissez des montres qui vous ressemblent

Que vous soyez amateur d’architecture contemporaine, passionné de mécaniques visibles ou en quête d’un garde-temps symbolique, The Swiss Collector répond à vos attentes : formes originales, mouvements complexes, marques emblématiques… Une montre bien choisie, c’est celle qui raconte quelque chose de vous aujourd’hui, et surtout demain. Le cœur de votre collection vous ressemble immanquablement.

Entrez au cœur de la montre

Aimer les montres peut s’avérer instinctif. Les comprendre demande un minimum de repères -sans pour autant devenir horloger. Commencez par vous familiariser avec les grandes familles de mouvements (quartz, automatique, manuel), leurs contraintes, leur précision et leur entretien. Puis, explorez les complications comme on découvre un nouveau langage : un à la fois. GMT, chronographe, jour-date, phases de lune… L’essentiel est de savoir ce que vous porterez vraiment, et ce que vous admirerez davantage.

Rêvez petit…voyez loin

La perfection peut attendre. Votre premier choix devrait se porter sur une montre qui franchira les années à votre poignet, toujours élégante quel que soit votre style, et qui vous offrira une valeur stable. Continuez par deux ou trois montres, faciles à porter : une quotidienne robuste, une pièce plus habillée (souvent vintage), et, éventuellement, un chronographe iconique si le style vous attire. Créez des looks grâce aux bracelets : cuir, acier, caoutchouc… multipliez les personnalités d’une même montre, sans pour autant augmenter vos achats. 

Choisir The Swiss Collector, c’est opter pour la confiance

Aujourd’hui, tout est accessible. Et c’est précisément là que le risque augmente : manque de traçabilité, authentification floue, photos insuffisantes, historique incomplet. Une règle simple : la sécurité d’achat fait partie de la valeur de la montre. C’est précisément la mission que s’est donnée The Swiss Collector : transformer un achat en ligne en une acquisition maîtrisée. 

La présence d’un objet sur son site de e-commerce, nécessite en amont un processus précis. Après un premier contrôle effectué par un directeur fort de plus de 10 années d’expérience dans le domaine, les papiers, les cartes de garantie et la boîte, sont expertisés. Enfin, les horlogers partenaires agréés prennent le relais pour une dernière vérification avant la parution de la photo de la montre en question.

Une collection est une aventure sur le long terme, vivante, vibrant au rythme de vos passions. Elle raconte vos réussites : un cap franchi, une envie longtemps repoussée, un “je le mérite”. Elle devient, avec le temps, un fragment d’histoire, la vôtre.

theswisscollector.com

Comme un rendez-vous…

Devant la proposition de Claude Meylan, j’ai d’abord ressenti un enthousiasme débordant pour ce dialogue entre deux univers qui ne s’étaient jusqu’alors jamais côtoyés. Nos réalisations habituelles tournaient autour des vitraux pour des bâtiments patrimoniaux ou des œuvres destinées aux musées et aux collections privées. Cette fois-ci, le majestueux devait se traduire dans la miniaturisation, au travers d’une pièce destinée à accompagner le quotidien de son propriétaire. Le défi technique s’est révélé considérable : adapter notre savoir-faire à quelques millimètres seulement, tout en conservant la richesse des couleurs, la finesse des détails et l’identité du verre fusionné… imaginer, expérimenter, associer différentes matières, ajuster épaisseurs, diamètres et teintes. Un travail hors du commun, une aventure exaltante !

Le nouveau défi horloger

Située dans la vallée de Joux, une région réputée pour son expertise horlogère, la Maison Claude Meylan perpétue une tradition familiale de haute horlogerie. La montre L’Abbaye reflète cet héritage avec une précision et une minutie qui ne peuvent être atteintes qu’à la suite de décennies de maîtrise artisanale. Chaque montre est assemblée à la main, garantissant un niveau de qualité et de détail exceptionnel.

La ligne L’Abbaye est également un clin d’œil à l’Abbaye du Lac de Joux. Autrefois un monastère dépendant de l’ordre des Prémontrés, dédié à sainte Marie-Madeleine, l’Abbaye était assise sur le territoire de l’actuelle commune de L’Abbaye, dans le canton de Vaud. Connue sous divers noms au fil des siècles, son nom actuel s’est finalement inscrit au fil du temps. La disparition de ce monastère a laissé une trace indélébile, un riche héritage historique et culturel. Sa présence a marqué la région et son histoire continue de fasciner ses habitants.

Le savoir-faire en héritage

Il y a environ deux ans, je me suis intéressé au métier de verrier. Motivé par le fait d’apprendre auprès de mon père, Frédéric Taddeï, je me suis passionné pour ce métier manuel dont l’exigence reste très éloignée de mon métier de maçon -même si je considère les deux comme un mode d’expression à part entière. 

Verrier depuis 40 ans, mon père a été un maître extraordinaire ; son expérience et son exigence m’ont permis de me plonger au cœur de ce métier. Si aujourd’hui, je n’envisage pas de changer d’univers, c’est en grande partie grâce à son savoir-faire transmis avec patience, au jour le jour.

Le verre, plus résistant qu’il n’y paraît

Le verre est fascinant. On le croit fragile, puis on le devine étonnamment robuste. Manipulé avec délicatesse, parfaitement intégré à son environnement, il traverse les siècles. Les vitraux sont une magnifique démonstration de cette résistance au temps qui passe. La qualité du verre n’est pas le seul secret de leur longévité ; l’intelligence au service de leur conception est un élément clé. Chaque élément doit trouver sa place pour braver le temps.

La lumière se fait matière

La matière sans la lumière perd en cohérence. Un verrier le sait : les deux sont indissociables. Dans notre atelier, à Genève, les grandes baies vitrées sont de véritables outils de travail. Observer la lumière et ses nuances, au fil des jours, représente un point essentiel de notre travail. Trouver l’équilibre nécessaire à une création est une question d’harmonie. Une combinaison subtile sur une table blanche peut se révéler étonnante -ou tout simplement plus appropriée- lorsque la lumière traverse le verre. Une interaction permanente qui participe à l’unicité d’une composition artistique.

Le temps, une donnée essentielle

Que serait l’art sans le temps ? Le contenir, le prendre en compte et l’intégrer dans le processus de création… L’impact artistique d’une œuvre contemporaine fluctue en fonction de notre regard. Plus nous découvrons, admirons, plus notre perception évolue au fil du temps, et met à jour de nouvelles nuances. 

Deux métiers, deux visions artistiques… une convergence

Résultats de savoir-faire minutieux, le verre et l’horlogerie défient le temps, chacun à sa façon. Chaque détail compte. D’un côté, j’admire la précision extraordinaire du garde-temps, de l’autre, je suis fasciné par la capacité singulière du verre à mettre en lumière, à sublimer. C’est à mon sens ce qui rend leur rencontre d’un naturel étonnant… même si un cadran réalisé en verre fusionné demeure particulièrement rare. 

L’art n’est rien sans le regard

Comme pour toute création artistique, le verre ne prend véritablement toute sa dimension créative que lorsqu’il rencontre un regard. Chacun de nous projette sa sensibilité, son histoire et ses émotions. Deux personnes ne distingueront jamais tout à fait la même chose ; cette diversité d’interprétations est une immense richesse. Le travail de l’artisan cultive cette diversité. À l’atelier, mon père et moi échangeons nos points de vue, parfois divergents, sur une pièce. Ces regards croisés, pétris d’émotions, nous permettent d’aller plus loin, de nous améliorer et d’enrichir notre création.

Une signature, une transmission

Chacune de nos créations, une fois achevée, porte notre signature. Avec Claude Meylan, notre travail nourrit le dialogue entre la lumière et le regard de ceux qui regardent l’heure… parfois avec indifférence, souvent pour le plaisir. 

https://taddei-verre.ch/

Comment êtes-vous devenue skieuse ? Comment cette discipline a-t-elle façonné la personne que vous êtes devenue ?

J’ai grandi dans un petit village d’environ 2 300 habitants. Là-bas, le ski alpin ou le ski de fond étaient la principale source de divertissement durant la saison d’hiver. Comme mes parents et mes frères aînés étaient des passionnés de ski, il était tout naturel pour moi, en tant que petite dernière, de suivre leurs traces. Dès mon plus jeune âge, le ski m’est apparu comme une vocation, et j’ai poursuivi ce rêve pour en faire une carrière.

57 podiums en Coupe du monde, 9 médailles aux Championnats du monde et 5 médailles olympiques : vos résultats sont impressionnants. Comment vous sentez-vous vis-à-vis d’un tel parcours ? D’où vient votre motivation ?

Je suis vraiment satisfaite de ma carrière. D’aussi loin que je me souvienne, j’ai toujours voulu participer à la Coupe du monde et devenir championne du monde. Cependant, lorsque j’étais petite, je n’aurais jamais imaginé accomplir tout ce que j’ai accompli aujourd’hui. Par-dessus tout, je suis fière de moi et de ma constance : maintenir cette place au sommet, année après année, n’est pas une mince affaire. 

Je pense que ce qui me motive le plus, c’est d’appréhender mon potentiel en tant qu’athlète. Chaque jour, je travaille pour atteindre ce plein potentiel, mais je ne peux donner le meilleur de moi-même que lors de quelques courses. Travailler dur pour devenir une meilleure athlète et skieuse, voilà ce qui me fait avancer. 

Quel est le secret de votre constance ? Selon vous, quelle est la chose la plus importante à garder à l’esprit pendant une compétition ?

À mon avis, la première étape consiste à établir un plan clair et à le visualiser, à imaginer les sensations que je voudrais ressentir durant la descente. Cependant, au départ, je n’ai besoin de me concentrer que sur une seule chose : repousser mes limites, être aussi rapide que possible, mettre les gaz. C’est cette approche qui m’a permis de réaliser mes meilleures courses à ce jour.

Je participe à la Coupe du monde depuis 15 ans et j’ai beaucoup travaillé ma technique. Je m’entraîne rigoureusement et passe environ 80 jours sur les skis avant le début de chaque saison. D’une certaine manière, toutes ces compétences techniques sont ancrées en moi, et je n’ai pas besoin d’y penser beaucoup lorsque je suis lancée. Curieusement, mes meilleures courses sont d’ailleurs celles durant lesquelles je ne réfléchis pas trop ; je préfère me dépasser et faire quelques erreurs — ce qui m’a souvent permis d’obtenir un meilleur temps — plutôt que de miser sur la perfection technique. À très haut niveau, le ski de compétition est un sport vraiment exigeant, et d’après mon expérience, le mental joue énormément. 

Laquelle de vos médailles a la plus grande valeur sentimentale pour vous ? Quel est votre plus beau souvenir de compétition ?

Il y a deux moments dans ma carrière qui ont une grande importance pour moi.

  D’abord, ma première victoire au Globe de cristal, en combiné alpin. J’étais en tête après le slalom avec environ 1,5 seconde d’avance, et je savais que je devais conserver mon avance lors de la dernière manche. Cependant, la deuxième manche était un super-G, une discipline dans laquelle je ne brille pas particulièrement. Malgré tout, je savais que je devais tout donner et skier à fond. Et c’est exactement ce que j’ai fait, en réalisant une performance incroyable ! J’avais atteint mes limites et commis quelques erreurs, mais j’ai persévéré. Et lorsque j’ai franchi la ligne d’arrivée, j’avais toujours 46 secondes d’avance. J’ai remporté la course et le Globe de cristal chez moi, en Suisse. Je me souviens que la foule était en délire ; c’était l’une des courses les plus inoubliables que j’aie jamais vécues.

Mon deuxième souvenir marquant remonte aux Championnats du monde de 2017, qui se déroulaient également en Suisse. Mes précédents Championnats du monde avaient été désastreux, mais cette fois-ci, j’ai remporté les médailles d’or et d’argent. Ce jour-là, j’ai pu fêter mes deux premières médailles dans mon pays natal, en plus de devenir championne du monde. C’était incroyable de vivre tout cela en Suisse avec ma famille, mes coéquipiers, mes amis et des milliers d’inconnus qui m’acclamaient à l’arrivée. J’ai vraiment ressenti ce sentiment de communauté et ça faisait chaud au cœur. 

Qu’aimez-vous faire quand vous n’êtes pas sur les pistes ?

J’adore les jeux de cartes, et passer du bon temps entre amis et en famille. J’aime voyager et découvrir toutes sortes d’endroits et de sports. Le wakesurf, par exemple, m’a vraiment séduite. Mais surtout, j’aime rester active, car cela m’apporte de la joie et me fait me sentir bien physiquement.

Selon vous, quel trait de personnalité vous décrit le mieux ? Quels sont votre plus grande qualité et votre pire défaut ?

Je dirais que l’ambition est probablement à la fois ma plus grande qualité, mais aussi mon pire défaut. Elle me conduit parfois à manquer de recul et me fait avancer vers mes objectifs avec des œillères. J’essaie donc de me souvenir qu’il faut considérer les choses dans leur ensemble.

J’ai aussi tendance à réfléchir beaucoup — et parfois, peut-être un peu trop. Cependant, je suis aujourd’hui convaincue que c’est une force. À certains moments de ma carrière, j’ai essayé d’être plus dans l’action et de sortir un peu de ma tête, mais j’ai finalement réalisé que ce n’était pas la bonne approche pour moi. J’ai accepté cette réalisation et j’ai trouvé une voie qui me convenait mieux. Certains skieurs peuvent être assez impulsifs et vont même jusqu’à mettre leur vie en danger ; je suis contente de ne pas être comme ça. Je connais mes limites et j’ai trouvé le bon équilibre au fil des années.

Qu’est-ce qui vous inspire dans le concept de mouvement ? Qu’est-ce que cela dit de vous et de votre vie ?

Bonne question ! Je crois qu’une fois que l’on a trouvé son propre rythme, que ce soit dans le sport ou dans la vie, on commence à se sentir incroyablement bien. Sur une piste de slalom, quand tout s’aligne parfaitement et que je suis en phase avec chaque virage, ça suffit à me rendre heureuse. C’est cette sensation que je recherche quand je suis sur mes skis.

Sur quel nouveau défi vous concentrez-vous aujourd’hui ?

Je pense que mon plus grand défi est de trouver le juste équilibre entre ma vie personnelle, le sport et le travail. Il y a aussi une question qui m’occupe sans cesse l’esprit : « Qu’est-ce que j’ai envie de faire ensuite ? » 

Tant que je suis au sommet de ma carrière, je réfléchis aux petits ajustements que je souhaite mettre en place pour la saison à venir et à la manière dont je peux pimenter ma routine sportive. Depuis 15 ans, mes entraînements estivaux sont toujours pratiquement les mêmes ; je cherche donc à changer quelques petits détails pour entretenir mon engouement et créer de la nouveauté.

En résumé, je ne me concentre pas sur un unique objectif principal, mais plutôt sur de nombreux petits objectifs qui, ensemble, m’aident à devenir un meilleur athlète.  

 Avez-vous un rêve qui ne s’est pas encore réalisé ?

J’aspire à trouver un autre domaine dans lequel je suis vraiment douée et qui m’apporte autant de joie que le ski de compétition. Je n’ai pas de rêve absolu en tête ; je suis satisfaite de mes réalisations actuelles et de la trajectoire de ma carrière. Je continuerai à tirer le meilleur parti de ces opportunités. Tout ce que je peux accomplir en plus au cours des années à venir, ce sera pour moi un bonus bienvenu.

Quelle est la leçon la plus précieuse que vous ayez apprise cette année ?

Cette année, je n’ai pensé qu’à décrocher le titre de championne olympique. J’ai oublié de profiter de l’aventure et des expériences qui vont avec tant j’étais concentrée sur le résultat final et j’ai manqué toutes les belles choses que cette année avait à offrir. Il faut profiter du voyage autant que de la destination. 

Quel type de tenue vous décrirait le mieux ?

Une tenue à la fois sportive et élégante, tout en étant confortable. Une tenue dans laquelle je pourrais courir si je le voulais, mais que je pourrais aussi porter pour une soirée à l’opéra. Habillée comme ça, je me sentirai en confiance en moi et je serai prête à relever tous les défis qui se présenteront à moi.

Par Eduardo Costerg / Photos Johann Sauty

Une histoire de famille avant tout

L’aventure commence en 1992 avec Patrick Machefert et Christiane Derory. Entrepreneurs et passionnés, le couple imagine alors une hôtellerie indépendante, à contre-courant de la standardisation. Leur intuition : créer des lieux à taille humaine, porteurs d’une identité forte. Ils introduisent en France le modèle du boutique-hôtel alors émergent, inspiré des premières expériences new-yorkaises des années 1980. C’est un succès.

Dès l’ouverture des premières adresses parisiennes, l’hôtel devient alors bien plus qu’un lieu de séjour : il s’impose comme un lieu de vie. Chaque établissement développe son univers, son énergie, sa clientèle. Cette approche, à la fois familiale et contemporaine, marque durablement l’ADN du groupe. Aujourd’hui implanté à Paris, Saint-Tropez, Ramatuelle et Marrakech, Machefert cultive toujours cette liberté de ton et cet esprit créatif qui font sa différence.  

En 2022, Kevin Machefert reprend les rênes du groupe fondé par ses parents, assurant la continuité et la pérennité du projet familial. Sous son impulsion, l’héritage familial se prolonge et devient encore plus expérientiel, plus narratif, mais fidèle à l’idée fondatrice : surprendre tout en maintenant sa position de référent du savoir-faire.

Des lieux qui racontent une expérience

Chez Machefert, chaque adresse se raconte aussi dans l’histoire du bâtiment qui l’accueille. Le passé devient ainsi matière à créer, à raconter, à imaginer. Les lieux sont pensés comme des scénographies où architecture, restauration, événements et hospitalité dialoguent. Refuser la standardisation n’est pas un argument marketing, mais s’impose comme une méthode de travail pour donner à chaque adresse sa personnalité propre.

Avec 16 hôtels, 7 restaurants, 5 bars, 3 speakeasies et une plage, le groupe rassemble aujourd’hui 350 collaborateurs engagés autour d’une même promesse : offrir une expérience singulière et authentique.  

Le savoir-recevoir proposé par Machefert repose sur un équilibre délicat, fait d’élégance, de créativité et de générosité, sans jamais surjouer les choses. Ce « je-ne-sais-quoi » revendiqué par le groupe qui se traduit dans les détails : atmosphère, rythme, attention portée au visiteur… et construit une hospitalité qui se vit autant qu’on s’en souvient…

CONTACT/

machefert.com

Par Quitterie Pasquesoone

Cultiver un brin d’audace

Si Manon se rêve d’abord ébéniste, le destin prend un malin plaisir à lui mettre des bâtons dans les roues. Elle nous raconte : « Durant mes deux années de formation, mon professeur s’est efforcé de me décourager et de me convaincre que ce n’était pas fait pour moi. Comme je n’aime pas qu’on m’impose des limites, j’ai postulé dans toutes les écoles de France. J’ai été admise dans l’établissement qui lui donnerait le plus tort : l’École Boulle, à Paris, où j’ai étudié quatre ans ». Une sacrée revanche, en effet ! 

Cependant, afin de conclure sa dernière année de formation, la jeune artisane cherche de toute urgence un stage en entreprise. Là encore, coup de théâtre : « Je suis finalement parvenue à dégoter quelque chose. Seul problème : ce n’était pas en ébénisterie, mais en marqueterie de paille. La douche froide… Il faut savoir que j’ai un défaut visuel qui m’empêche de voir en trois dimensions. Par conséquent, je pensais que la marqueterie de paille serait pour moi un enfer. » Résignée, Manon n’a pas le choix. Elle entame cette expérience sans vraiment connaître le domaine et traîne avec elle son lot de préjugés. Malgré tout, il ne lui faudra pas plus de deux jours à la jeune artisane  pour comprendre qu’elle a trouvé sa vocation. Si elle refuse de parler de métier-passion, elle ne tarit pas d’éloge sur sa profession : « J’adore mon métier, et je pense qu’il y a, dans cette adoration, quelque chose de très beau. »

Formée par Marine Fouquet, Meilleur Ouvrier de France, et son mari, Hervé Morin, à l’atelier Maonia, Manon passe entre des mains expertes. En plus d’acquérir les bases, la jeune artisane s’initie aux techniques uniques développées au sein de l’atelier. Plus important encore, elle fait de la rigueur une valeur cardinale : « Marine et Hervé sont d’une exigence folle », se remémore-t-elle, « grâce à eux, j’ai pu progresser et acquérir les bons réflexes, en cherchant à comprendre quelles étaient mes erreurs. »

Fraîchement diplômée, Manon se retrouve alors avec un métier qu’elle adore, mais qu’elle ne peut pas exercer, car, dans le secteur, les embauches se font extrêmement rares. À 23 ans, elle prend donc son courage à deux mains et monte son propre atelier dans le hangar de ses parents. Elle se remémore ses débuts, sans faire l’impasse sur les points d’ombre : « Je suis parti de rien, ça n’a pas été facile tous les jours. Pour me faire une vitrine, je chinais des meubles que je démontais et arrangeais à ma façon. » Ses efforts paient le jour où l’un de ses meubles est sélectionné pour être exposé à Paris : « Je tenais ma chance de marquer les esprits. »

En 2019, lassée de travailler seule, la jeune entrepreneuse s’installe à Lyon et se constitue une petite équipe. À partir de ce moment-là, Manon décide de mettre un point d’honneur à construire et enrichir l’image de l’atelier. « Je voulais montrer que chez Paelis, la technique primait et que nous étions capables de faire des choses que l’on ne voit pas ailleurs. Je voulais que l’on parle de nous et qu’on apprenne à nous connaître par le bouche-à-oreille ». Le pari est réussi : l’atelier œuvre pour des clients aux quatre coins du monde et s’accorde toujours le luxe de refuser un projet. « Le feeling, pour moi, c’est fondamental. Nos projets commencent toujours comme des histoires d’amour. »

Et voilà qu’aujourd’hui, Paelis célèbre ses dix printemps. Lorsqu’elle regarde en arrière, sa fondatrice prend la mesure du chemin parcouru. L’atelier a su trouver sa place, mettre au point un savoir-faire qui lui est propre, réinventant son art pour lui insuffler une vitalité nouvelle — avec ses propres gestes, sa propre empreinte, sa propre ambition. 

L’Atelier Paelis ou la force du collectif

Si Manon arbore fièrement le col tricolore des Meilleurs Ouvriers de France, elle en parle avec une grande modestie. Loin de la distinction ostentatoire, figée, que l’on exhibe aux yeux de tous, elle considère son titre comme un véritable tremplin dans sa carrière : « Le fait d’être une jeune artisane n’inspirait pas toujours confiance, et je tenais à prouver que, malgré mon âge, je savais travailler. Mon col bleu-blanc-rouge, c’est un peu mon costume de Superman ! C’est une source de fierté, en plus d’être un gage de qualité. Lorsque je le porte, on me considère différemment, en faisant abstraction de mon âge. La confiance et la légitimité s’imposent d’elles-mêmes bien qu’au fond, ça ne change rien : avec mon col ou sans, je reste la même. » 

Malgré le prestige de sa position, la marqueteuse garde les pieds sur terre et ne perd jamais de vue ce qui fait la force de Paelis : « sans équipe, il n’y a pas d’atelier ». Ici, chaque victoire se conjugue à la première personne du pluriel ; pas question pour Manon de capter toute la lumière. Elle nous le dit elle-même : « Dans les faits, c’est l’équipe qui fait vivre les projets ; moi, je sers davantage de support et de couteau suisse, j’encadre l’apprentissage, je définis les contraintes. Je souhaitais que l’atelier bénéficie d’un label qui appuie la qualité de son travail et sa volonté de se dépasser. C’est pourquoi Paelis est inscrite aux Entreprises du Patrimoine Vivant. »

Lorsqu’on pousse la porte de l’atelier, ce qui saute tout de suite aux yeux, c’est cette énergie si particulière, presque palpable : on s’y sent tout de suite à l’aise. Sur les murs, une multitude de motifs colorés sont exposés, donnant à la pièce un air de kaléidoscope. Suivant notre regard, Manon nous apporte quelques explications : « Nous avons mis en place plusieurs temps créatifs dans l’année durant lesquels l’équipe confectionne des moodboards sur un thème choisi. Il en va des idées de chacun ! Je suis convaincue que c’est une bonne chose d’être engagé en permanence dans ce processus créatif. » Si la créativité est bel et bien au cœur de son métier, Manon ne nous cache pas qu’elle n’a jamais été son point fort. Elle se définit davantage comme un « pur produit technique ». C’est alors que le travail d’équipe prend tout son sens : les faiblesses des uns sont compensées par les qualités des autres, et ces qualités se partagent sans compter. « Je cherche à transmettre la technicité que j’ai pu acquérir au fil des années, afin que toute l’équipe atteigne un très haut niveau et que l’on soit tous sur un pied d’égalité. Plutôt que d’encourager chacun à se spécialiser, je préfère que tout le monde touche à tout. Lorsqu’on réfléchit ensemble sur un même projet, on se challenge les uns les autres et il s’en dégage une belle émulation. »

La marqueterie de paille — comme tous métiers d’art — ne tolère aucune forme d’inertie. Savoir-faire et méthodes, tout se transmet et se réinvente dans un mouvement perpétuel. Nous interrogeons alors Manon sur l’héritage, les enseignements et les valeurs qu’elle souhaiterait perpétuer et, à son tour, léguer à son équipe. Elle n’hésite pas longtemps avant de nous répondre : « Je veux que l’équipe se souvienne de toujours mettre son ego de côté. Lorsqu’on se laisse déborder par son ego, on n’arrive à rien. J’aimerais qu’elle garde toujours un regard neuf sur son travail et fasse preuve de remise en question. Et jamais — au grand jamais — partir du principe qu’une erreur passera inaperçue ! Travailler avec le plus de sincérité et de cœur possible, se montrer exigeant envers soi-même, c’est, en fin de compte, ce qui fait toute la différence. »

Un métier, mille horizons

Si son titre de Meilleur Ouvrier de France en impose, Manon n’en a pas oublié son sens de l’humour.  Lorsqu’on lui demande de nous décrire le domaine dans lequel elle évolue, sa réponse nous décroche un sourire : « La marqueterie de paille, c’est un peu comme le papier peint tropical : il y a dix ans, on considérait ça comme une énorme faute de goût alors qu’aujourd’hui, c’est dans l’air du temps. Comme tous les revêtements de surface, ça part, ça revient… il y a quelque chose de très cyclique. Et c’est à nous, en tant qu’artisans, de rivaliser de créativité et d’ingéniosité pour faire perdurer notre métier. » 

Seule une poignée d’ateliers dans le monde connaît l’art ancien de broder la lumière, brin après brin, un savoir-faire aussi précieux qu’exigeant. « Ce qui rend la marqueterie de paille luxueuse, ce n’est pas la matière, mais la main-d’œuvre, l’art, la technique. Ce sont des heures et des heures de travail qu’il est impossible d’automatiser : chaque brin de paille est étudié et trié avant d’être collé. La paille, comme toute matière naturelle et vivante, a sa part d’aléatoire, ses imperfections. Malgré tout, chez Paelis, nous visons l’objectif du “sans défaut”. En tant que marqueteurs, nous avons comme particularité de construire notre matière première et essayons d’en tirer le meilleur parti. »

Un artisanat ancien, certes, mais certainement pas nostalgique ! Si le travail de Manon et de son équipe porte sa part de tradition, c’est à l’innovation et à la créativité que l’atelier fait honneur. « J’essaie avant tout de créer un effet de surprise, le petit “waouh” qui fera la différence. J’aime bousculer les codes et aller à contresens de ce que les gens attendent. Dans notre atelier, on ne se bride pas, on ne se borne à aucune limite. Lorsque les clients me décrivent ce qu’ils ont en tête, j’essaie toujours de les pousser plus loin encore dans leur réflexion : s’ils désirent un soleil — un motif somme toute assez classique — pour revêtir une porte, je vais leur suggérer de le décomposer d’une manière unique. Pour l’atelier, c’est un défi supplémentaire. Plutôt que de répéter indéfiniment les mêmes motifs, notre but va être, au contraire, de créer des variations uniques, des signatures visuelles propres à chaque projet. » On le comprend bien : interdiction formelle de se reposer sur ses lauriers ! Chaque détail compte et chaque projet offre l’opportunité d’aller plus loin encore que le précédent. 

C’est d’ailleurs ce goût du défi qui anime la marqueteuse : « Lorsque les clients nous sollicitent pour des projets et que nous ne savons pas encore de quelle manière nous allons procéder, c’est ce qui me fait vibrer ! » Pour illustrer son propos, elle retrace l’histoire du présentoir confectionné à l’occasion d’une épreuve des Bocuse d’Or 2021 : « Le chef Davy Tissot nous a mis au défi de créer pour l’occasion un écrin 100 % végétal. Pour le reste, nous avions carte blanche ! L’atelier a rivalisé d’ingéniosité pendant plusieurs mois et s’est dépassé : colle et impression 3D à base d’amidon, peinture composée d’algues, ouverture sur patin… Nous sommes allés aussi loin que possible, et ce, malgré les contraintes techniques. Je me souviens que le présentoir devait, par exemple, pouvoir supporter la chaleur du four. Il a donc fallu développer de nouvelles techniques pour y parvenir. C’est le genre de défi que j’adore ! » s’enthousiasme Manon. « On part de quelque chose de classique et on réinvente tout. Parfois, on se demande si on ne se heurte pas aux limites du projet, si ce qu’on entreprend n’est pas tout simplement impossible à mettre en œuvre… et puis on trouve une solution !

Cette opportunité ouvre des portes pour Paelis : l’atelier s’immisce dans l’univers de la gastronomie et s’offre une part de notoriété sur le plan international — la légende raconte que le présentoir aurait fait réagir Pierre Gagnaire, jusque dans ses cuisines de Shanghai. « Je suis très reconnaissante envers Davy Tissot de nous avoir lancé ce défi, commente l’artisane et entrepreneuse, on en est ressorti grandi. Sans lui, je n’aurais jamais pensé qu’on était capable de concevoir une telle pièce. » 

La marqueterie de paille a encore de beaux jours devant elle, ça ne fait aucun doute ! Elle intrigue et séduit les grands noms du luxe et les esthètes en tout genre — tous ceux qui aiment admirer les jeux de reflets et qui connaissent la valeur du geste. Entre deux brins de paille, on fait parfois des rencontres inattendues, des rencontres qui changent notre manière de voir les choses. Parmi elles, Richard Peduzzi et Serge Lutens, dont Manon garde un souvenir admiratif : « Ce sont tous les deux de purs créatifs. Ils travaillent dans l’émotion, avec l’émotion. Richard Peduzzi — légende de la scénographie et artiste multidisciplinaire — m’a fait découvrir le monde de l’opéra. Il m’a également fait prendre conscience que mes œuvres existaient dans un contexte global dont il fallait savoir jouer. En ce qui concerne M. Lutens, le feeling est tout de suite passé entre nous. Il m’a ouvert les portes de la parfumerie et j’ai eu la chance de collaborer avec cette extraordinaire Maison. J’ai adoré m’imprégner de leurs univers à tous les deux, découvrir des horizons que je ne connaissais pas et qui, aujourd’hui encore, nourrissent ma réflexion et ma créativité. »

On passerait encore des heures à écouter ces histoires, à contempler les motifs géométriques dans le calme de l’atelier, à se délecter de l’authenticité et du franc-parler de sa fondatrice. Il flotte dans l’air cet effluve végétal, boisé, brut – le parfum de la matière qu’on transforme. Il est pourtant l’heure de conclure notre entretien, plus émerveillé encore qu’à notre arrivée. On demande à Manon quel serait le dernier mot qu’elle souhaiterait adresser à nos lecteurs. Une fois de plus, sa réponse nous fait sourire : « Un mot ? Plutôt neuf – ils sont affichés juste à côté de ma porte d’entrée et m’accompagnent dans la majorité de mes décisions : “ Imagine, tu le fais et ça se passe bien.”

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Par Eduardo Costerg

Pouvez-vous nous parler de votre premier contact avec le piano ?

J’étais tout petit, je devais avoir quatre ans. Mes parents m’avaient offert un « piano », qui était en réalité un jouet, et ça m’a tout de suite plu. Je m’amusais beaucoup à reproduire les musiques que j’entendais à la radio et c’est d’ailleurs comme ça que mes parents se sont aperçus que j’avais l’oreille absolue.

Mais je me souviens très bien de mon tout premier piano – mon premier vrai piano. Ma mère rêvait d’avoir un piano droit blanc à la maison. Par chance, nous avions réussi à en dégoter un qui avait fait son temps, dans les tumultes d’un bar. Je me souviens des brûlures de cigarettes sur la peinture. Pourtant, j’adorais cet instrument parce que j’avais l’impression qu’il était habité par une histoire. Lorsque je m’entraînais dessus, enfant, j’essayais d’inventer la vie passée de ce piano dans cet univers auquel je n’avais pas accès. Il avait ce petit parfum d’interdit.

Quels ont été les moments clés qui ont façonné votre carrière ?

Il y en a eu beaucoup. Une carrière, ça se joue sur les obstacles que l’on parvient à franchir, ça se construit par étapes.

Je pense que je peux citer la première fois que je me suis produit en récital et que j’ai senti qu’il se passait quelque chose dans le public, que ma prestation plaisait. J’étais encore petit, mais c’est un goût que je n’ai jamais oublié. Avoir été le premier pianiste de l’histoire à remplir l’Accord Arena de Paris pour un concert de piano solo, c’est un autre point marquant de mon parcours. J’adore les moments historiques comme celui-là. J’ai également été le premier pianiste à jouer en live sous les aurores boréales ; je me souviens que j’avais les doigts complètement gelés, mais quel spectacle ! La cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques de Paris a été elle aussi un moment particulièrement fort, avec ce piano enflammé sur la Seine. J’ai encore beaucoup d’événements en mémoire, des évènements qui ont changé le cours de ma carrière, mais je pense que l’on peut d’abord citer ceux-là.

Quels grands défis se sont présentés à vous ?

Le plus difficile, c’est de commencer. Je voulais faire comprendre que j’avais des choses à raconter en tant qu’artiste, en tant que pianiste solo, au même titre qu’un chanteur. Je ne voulais pas faire de la musique pour accompagner les autres et qu’on me relègue au second plan. Je souhaitais redéfinir les codes de ce qu’était un pianiste et réinventer une manière d’exister en tant que tel.

Au stade où j’en suis aujourd’hui, le grand défi est avant tout de renouveler mon langage musical. D’une part, avec mon piano, je cherche à préserver cette signature qui m’est propre, à l’étoffer. D’autre part, je veux emmener mes auditeurs dans de nouveaux voyages.

On vous définit souvent comme un pianiste « classique ». Pourtant, vous n’hésitez pas à jouer avec les codes, quitte à les casser. Comment définiriez-vous votre approche musicale ?

En vérité, j’aime bien la figure du pianiste classique. Plus que de changer sa définition, j’aimerais la renouveler, lui donner un peu plus d’ampleur. Pour moi, le piano, c’est l’instrument classique par essence. Quand je suis au clavier, je sais que j’ai sous les doigts tout le répertoire de Chopin, de Ravel, de Debussy… Et quand bien même je voudrais composer un morceau d’une modernité folle, c’est l’Histoire qui dictera ce qui deviendra classique et ce qui ne le deviendra pas.

Je crois qu’en fin de compte, je ne me pose pas trop de questions. Je suis pianiste, c’est tout ; c’est un statut qui, pour moi, englobe toute la musique, tous ses styles, toutes ses variations. Si certains me considèrent comme un pianiste classique, ça me convient très bien. D’autres me rapprochent davantage du pianiste de jazz, et ça me va également – même que je n’ai pas l’impression d’en cocher toutes les cases. Et puis enfin, on parle de moi comme d’un pianiste populaire, et je trouve que c’est un très beau compliment.

Quelles sont vos influences musicales et artistiques ? Qui sont les figures qui vous inspirent ? 

Je suis un grand fan de John Williams. Je pense qu’il n’y a pas meilleur que lui en matière de musique pour le cinéma. Il doit sans doute avoir plus de 90 ans maintenant, et pourtant, il est encore complètement habité. C’est quelqu’un qui, toute sa vie, est parvenu à composer de très grands thèmes, d’une richesse formidable, qui en même temps font partie intégrante de la culture populaire. Sa musique parle à tout le monde sans pourtant faire de concession sur la pureté de la mélodie. Si je ne devais citer qu’une seule de mes sources d’inspiration, ce serait lui.

Y a-t-il encore des rêves que vous n’avez pas encore réalisés ? 

Énormément, oui ! Des rêves, j’en ai sans cesse des nouveaux. Je me sens vraiment attiré par les expériences en pleine nature, comme ce concert sous les aurores boréales. Il y a quelque chose de très fort là-dedans, de vertigineux ; je trouve la nature en règle générale très impressionnante. Je suis d’ailleurs en train de me demander dans quelle mesure je pourrais donner un concert dans une sorte de capsule sous-marine. Ça pourrait être une expérience intéressante, qui sait ?

Je m’imagine beaucoup de choses dans ce genre-là, et parfois, j’ai la chance d’aller au bout de mes idées. D’un seul coup, un projet qui paraissait impossible, qui n’était qu’un exercice d’imagination, devient concret ; c’est toujours incroyable.

Que pouvez-vous nous dire de vos projets en cours ?

Je suis actuellement en train de travailler sur un quatrième album très ambitieux. Je ne peux malheureusement pas vous en dire beaucoup à ce sujet, il faudra faire preuve d’un peu de patience !  Aujourd’hui, je suis installé à Los Angeles et je pense que cet album sera teinté des couleurs que je trouve là-bas. Je suis allé chercher de l’inspiration ailleurs. Je suis dans la continuation de ce voyage dont je parlais précédemment.

Par Eduardo Costerg
Photos: Johann Sauty

Philippe, comment est née l’idée de Mashandy, et quelle vision guidait vos premières créations ?

Philippe : Maria, mon épouse, m’a lancé en 2017 un défi qui allait bouleverser mon rapport à la création : imaginer une collection de joaillerie totalement unique, inspirée des pièces sur mesure que je réalisais pour mes clients. J’ai d’abord douté. Je craignais qu’en créant une marque, la magie du geste se perde dans la reproduction. Mon univers est celui de l’unique, de l’émotion brute.

Mais l’idée a fait son chemin. Ensemble, nous avons commencé à construire un moodboard, à rassembler des matières et des images qui nous parlaient. Je les voulais nobles, mais surtout porteuses d’histoire et d’âme. Enfant, j’ai grandi entouré d’œuvres en bronze : ce métal m’a toujours captivé. Il a une vibration particulière, une chaleur, une mémoire. Le bronze vit, se patine, garde la trace du geste. L’associer à l’or, mais de manière subtile, presque secrète, m’a semblé une évidence.

L’idée fondatrice de Mashandy était de créer une sculpture autour d’une pierre unique, comme un écrin d’art pensé pour elle seule. Chaque bijou naît ainsi en une petite sculpture, avant de trouver son écho dans une œuvre en bronze grandeur nature, d’une vingtaine de kilos. Ces sculptures relient nos créations à un geste fondateur, primitif, celui de la main qui donne vie à la matière.

Je me considère comme un sculpteur de l’infiniment petit. Un bijou Mashandy pourrait exister à trois mètres de hauteur : la forme et le mouvement resteraient justes.

Mes inspirations viennent d’abord de l’art premier. Les masques africains, par exemple, me touchent profondément : ils traduisent la pureté du geste, la vérité du trait, la sincérité de la main. Quand je sculpte un bijou, je dis souvent que le premier outil de l’artiste, ce sont ses doigts. Ce contact charnel entre la main et la matière, c’est là que tout commence.

Avec Mashandy, je voulais bousculer les codes. Mon ambition n’était pas de faire des bijoux, mais de créer un langage entre la sculpture, la matière et la lumière. Je viens d’un héritage joaillier centenaire, mais j’avais besoin d’un espace d’expérimentation, où le bronze dialogue avec l’or, où la pierre rare s’exprime dans une forme brute mais poétique.

Mashandy est née de cette tension entre le geste ancestral et la vision contemporaine, entre l’énergie du feu et la pureté de la forme. Mes inspirations vont des arts premiers aux maîtres modernes, Miklos, Archipenko, Moore, jusqu’aux forces de la nature : les métaux, la terre, les gemmes, la lumière. En somme, Mashandy est une alchimie : une passerelle entre l’art et la matière précieuse.

Maria, vous étiez d’abord la muse de Mashandy avant d’en devenir la co-créatrice. Comment cette évolution s’est-elle opérée, et qu’est-ce qu’elle a changé pour vous ?

Maria : Tout s’est fait naturellement. Au début, j’observais simplement Philippe créer. J’étais fascinée par son rapport à la matière, par sa concentration, par la poésie de ses gestes. Puis, petit à petit, j’ai commencé à partager mes impressions, mes intuitions. Je proposais des couleurs, des formes, des pierres… Et sans que nous nous en rendions compte, nous avons commencé à créer véritablement ensemble.

Mashandy n’est pas seulement une maison de joaillerie : c’est une partie de notre vie. Nos créations sont le reflet de nos caractères, de nos émotions et de notre vision commune de la beauté. Ce que nous faisons n’est pas le fruit d’un concept, mais d’un lien. C’est une histoire d’amour transposée dans la matière.

Cette évolution, pour moi, n’est pas une transition professionnelle. C’est un pas intime, une façon d’écrire ensemble une nouvelle page de notre histoire familiale, dans la continuité de ce que la Maison Guilhem transmet depuis plus de 160 ans.

Quelle touche personnelle souhaitez-vous apporter à Mashandy ? En quoi votre regard de femme influence-t-il les créations ?

Maria : J’apporte à Mashandy une touche de douceur et de légèreté. Philippe a un regard très architectural : il pense les volumes, la tension, l’équilibre.

Moi, je cherche l’émotion du détail. Je passe chaque pièce à travers mon regard de femme, pour sentir sa fluidité, sa justesse, sa façon d’épouser la peau.

Je veux que nos bijoux puissent se vivre aussi bien au quotidien qu’au cœur d’une soirée. Ils doivent être portables, libres, mais toujours habités d’une énergie.

Je crois qu’un bijou réussit quand il fait vibrer celle ou celui qui le porte.

Philippe : Maria a donné à Mashandy une identité plus féminine, plus intuitive. Grâce à elle, nos créations se sont ouvertes à une clientèle plus jeune, en quête de sens et de singularité. Nous partageons cette idée d’un luxe discret, un “quiet luxury” où la beauté réside dans la simplicité du geste et la sincérité de la matière.

Quand vous avez décidé de collaborer sur Mashandy, quelle vision commune guidait votre démarche ? Et comment voyez-vous son évolution aujourd’hui ?

Philippe : Dès le départ, nous avons voulu redonner du sens au mot “création”. Je ne voulais pas d’une marque qui suive des tendances, mais d’une maison qui exprime un langage, une émotion. Mashandy, c’est ce dialogue entre la sculpture, la lumière et le bijou. C’est un espace de liberté, où l’on expérimente, où l’on ressent avant de penser.

Maria : Notre vision est simple : faire grandir Mashandy sans jamais perdre son âme. Nous voulons que la Maison reste artisanale, sincère, ancrée dans la main et dans la matière. Ce n’est pas seulement une marque : c’est une histoire de famille, de confiance et de passion. Nous voulons continuer à toucher les gens par la sensibilité et la précision de notre travail.

Comment se construit votre travail à deux ? Et comment parvenez-vous à faire coexister vos sensibilités ?

Philippe : Nous sommes quatre à l’atelier : Maria, Grace, Irina et moi. Chacun a sa place, son regard. Mais au cœur du processus, il y a ce dialogue entre Maria et moi. Nous partons souvent d’une pierre, d’un coup de cœur, et tout naît autour d’elle.

Notre démarche est instinctive. Avant le dessin, il y a toujours la main. Nous travaillons la pâte, le volume, la forme brute. Nous privilégions la sensation à la technique. Chez Mashandy, la main précède l’idée. C’est ce qui rend chaque pièce unique.

Maria : Nos sensibilités se complètent : Philippe est dans la force du geste, moi dans la douceur du ressenti. C’est un équilibre entre deux énergies. Cette dualité crée l’harmonie, comme un yin et un yang. C’est ce qui donne à Mashandy sa signature.

Philippe : Et c’est sans doute ce que nos confrères perçoivent. Lors des salons internationaux, notre approche suscite souvent la curiosité. Nous avons reçu les félicitations de grands joailliers new-yorkais, fascinés par cette démarche artisanale où tout part de la main. Pour nous, c’est une fierté.

La création semble occuper une place centrale dans vos vies. Comment naissent vos nouvelles idées ?

Philippe : Elles ne s’arrêtent jamais. La création fait partie de ma vie, c’est ma respiration. Parfois, une idée surgit au réveil, d’un rêve ou d’une lumière. Quand je sculpte, je me déconnecte de tout : c’est une forme de méditation.

Récemment, nous avons conçu un bracelet pour une princesse saoudienne. Maria a trouvé un saphir extraordinaire, aux reflets jaunes et bleus. Je me suis inspiré de ses terres natales : Riyad, le désert, les vagues du sable. C’est une pièce très forte, née de notre dialogue et de notre regard commun.

Mashandy s’inscrit dans une lignée familiale et artistique forte. Comment imaginez-vous sa transmission ?

Philippe : La transmission fait partie de notre ADN. Elle commence déjà avec Masha, la fille de Maria. Elle a treize ans, et un talent incroyable pour le dessin. Je crois qu’elle a hérité de cette sensibilité à l’art, à la lumière, à la beauté du geste. Puis Andréa qui est diplômé du GIA de New York et qui se dirige dans cet univers fantastique… le petit dernier a encore du temps devant lui… Peut-être que l’avenir de Mashandy est déjà tracé, d’une certaine manière.

Maria : C’est la plus belle continuité que nous puissions espérer, que Mashandy reste vivant à travers ceux qui portent nos bijoux, et à travers ceux qui, un jour, prendront le relais.

Terre d’harmonie 

L’effervescence des rues de Port-Louis (ou Porlwi, comme on l’écrit en créole), la tranquillité du lagon de Grand Baie, les couleurs vives de Chamarel, la fraîcheur du Jardin de Pamplemousses… L’île Maurice a plus d’un secret pour s’immiscer dans le cœur de ses visiteurs. Terre d’Histoire et de traditions, celle que l’on nomme la « perle de l’océan Indien » est à l’image de ses habitants : sa force et sa beauté, elle les puise dans les mille et un visages qui composent sa culture. Car si leur passé est assombri par la colonisation, les Mauriciens ont depuis longtemps érigé le vivre-ensemble en philosophie. Pour prendre toute la mesure de cette identité si singulière, il faut partir à leur rencontre, découvrir leur culture, leur cuisine et leur spiritualité, s’enfoncer un peu plus dans cette terre où s’ancrent leurs racines. Trait d’union entre trois continents, l’île Maurice est résolument tournée vers l’avenir mais sans rien oublier de son héritage.

Recevoir avec le cœur

En incarnant un art de vivre légendaire, le Royal Palm Beachcomber Luxury se fait ambassadeur de cette richesse et de cet esprit unique. Du portail qui dissimule son écrin aux regards du monde jusqu’à un bel atrium, le palmier royal, emblème de l’institution, incarne dès l’arrivée des visiteurs la promesse d’un délicieux dépaysement. Une fois le hall de l’hôtel franchi, l’horizon s’offre à perte de vue se savoure comme une douce récompense. Enfin, la plage de sable blanc, qui se déroule comme un long ruban, et le lagon d’azur, l’un des plus beaux de l’île, plantent le décor d’un séjour qui s’annonce déjà inoubliable.

Voilà quatre décennies que le cœur de l’hôtel bat au diapason de l’île, et que le temps glisse au rythme des vagues… Et si les frissons de la découverte sont désormais derrière cette grande dame qu’est le Royal Palm, son amour de la vie, son élégance et son épicurisme, eux, demeurent intacts. Quarante ans. Un bel âge à célébrer et une promesse à tenir : continuer à accompagner les rêves de voyageurs hédonistes, une génération après l’autre.

Bienne, un paysage horloger

Je suis né à Bienne et j’y suis profondément enraciné. L’entreprise de mon père, la L. Klein AG, y est établie – fournisseur d’aciers de haute qualité pour l’industrie horlogère suisse. Ici, l’horlogerie vit à travers les habitants, leurs histoires et leurs métiers. Même si, plus jeune, je rêvais de mécanique automobile – l’idée que des pièces, une fois assemblées, se mettent en mouvement me fascinait – l’horlogerie ne m’a jamais vraiment quitté.

Je me suis donc orienté vers un apprentissage d’horloger au ZeitZentrum de Granges. Très vite pourtant, j’ai compris que je souhaitais évoluer dans l’univers des montres, mais pas uniquement derrière un établi. J’aime la mécanique, mais mes rêves avaient besoin d’espace. Je me suis alors tourné vers la vente.

Écouter, s’adapter

À l’issue de ma formation, j’ai débuté mon parcours dans une boutique horlogère exclusive à Interlaken. J’y ai rencontré une clientèle internationale et compris très rapidement que le monde de la vente me procurait un réel plaisir. Peu après, on m’a proposé de collaborer pendant trois semaines à l’ouverture d’une nouvelle boutique à Crans–Montana. Trois semaines qui sont devenues deux ans, jusqu’à ce que l’on m’offre, à seulement 21 ans, l’opportunité de codiriger la boutique.

Cette période a été déterminante. J’ai pu nouer des contacts précieux, notamment avec des collaborateurs de Rolex – une maison avec laquelle l’entreprise de mon père entretenait déjà, depuis des décennies, une relation de confiance. Derrière chaque relation, il y a des personnes ; et c’est dans l’échange humain que naissent les idées. Peu à peu, l’envie d’ouvrir une boutique à Bienne a pris forme.

Une chose en entraînant une autre, une opportunité rare s’est présentée : devenir revendeur officiel Rolex. Tout s’est alors imposé comme une évidence. Bienne est une ville horlogère, mais il lui manquait un lieu où passionnés, collectionneurs et amateurs de montres puissent se rencontrer. C’est ainsi qu’est née la vision d’Art du Temps – pas ailleurs, mais ici, à Bienne.

On m’a parfois dit : « Tu es fou » ; et cela m’a suffi pour comprendre que j’allais dans la bonne direction.

L’identité Art du Temps : le raffinement sans la distance

J’avais une exigence claire et assumée – mobilier, lumière, détails – mais sans aucun aspect théâtral. Se sentir bien, pouvoir rester soi–même, c’est pour moi le véritable luxe. Dès le premier pas dans la boutique, je voulais que le client ressente cet équilibre entre élégance et discrétion, accompagné d’un bien–être immédiat et naturel.

Notre plus grand défi

Accorder une attention sincère aux détails et leur donner toute la place qu’ils méritent. Construction, concept, logo, systèmes – sans jamais oublier l’aspect de la restauration. Partir de zéro signifie tout réinventer. Et ce sont souvent les dernières « petites choses » qui demandent le plus d’énergie.

Le moment décisif ? Sans aucun doute la réalisation concrète de l’aménagement intérieur, après des mois de réflexion, de croquis et de concepts. Les couleurs, les matières, la lumière… et soudain, tout s’est accordé.

Le luxe, une perception personnelle

Le luxe est quelque chose de profondément personnel. Pour certains, c’est une voiture ; pour d’autres, une semaine de vacances ou simplement du temps passé avec ses enfants. J’ai voulu qu’Art du Temps offre un espace où chacun puisse vivre sa propre définition du luxe. Une petite équipe, du temps accordé à chaque visiteur, sans aucune pression à l’achat – qu’il s’agisse d’un client de passage ou d’un passionné de longue date. Il me tient également à cœur de rendre l’univers de l’horlogerie et de la joaillerie accessible aux jeunes générations. Après tout, j’en fais moi–même partie.

Et moi, dans tout ça ?

Je suis davantage passionné de montres que de bijoux, même si l’univers de la joaillerie me fascine par sa créativité. Ma première « belle » montre, achetée à 18 ans avec l’argent gagné pendant les vacances en travaillant chez mon père, était une Daytona en acier. Elle m’accompagne encore aujourd’hui : intemporelle, pratique, parfaitement adaptée au quotidien.

Dans le monde de l’horlogerie, le rêve ne s’arrête jamais. Porter un jour une montre dotée de grandes complications, comme un calendrier perpétuel, reste un souhait très personnel. Une montre est pour moi bien plus qu’un objet : elle est le symbole du temps vécu et des moments qui comptent.

Art du Temps, c’est pour moi la valorisation du temps.