Une histoire de famille avant tout

L’aventure commence en 1992 avec Patrick Machefert et Christiane Derory. Entrepreneurs et passionnés, le couple imagine alors une hôtellerie indépendante, à contre-courant de la standardisation. Leur intuition : créer des lieux à taille humaine, porteurs d’une identité forte. Ils introduisent en France le modèle du boutique-hôtel alors émergent, inspiré des premières expériences new-yorkaises des années 1980. C’est un succès.

Dès l’ouverture des premières adresses parisiennes, l’hôtel devient alors bien plus qu’un lieu de séjour : il s’impose comme un lieu de vie. Chaque établissement développe son univers, son énergie, sa clientèle. Cette approche, à la fois familiale et contemporaine, marque durablement l’ADN du groupe. Aujourd’hui implanté à Paris, Saint-Tropez, Ramatuelle et Marrakech, Machefert cultive toujours cette liberté de ton et cet esprit créatif qui font sa différence.  

En 2022, Kevin Machefert reprend les rênes du groupe fondé par ses parents, assurant la continuité et la pérennité du projet familial. Sous son impulsion, l’héritage familial se prolonge et devient encore plus expérientiel, plus narratif, mais fidèle à l’idée fondatrice : surprendre tout en maintenant sa position de référent du savoir-faire.

Des lieux qui racontent une expérience

Chez Machefert, chaque adresse se raconte aussi dans l’histoire du bâtiment qui l’accueille. Le passé devient ainsi matière à créer, à raconter, à imaginer. Les lieux sont pensés comme des scénographies où architecture, restauration, événements et hospitalité dialoguent. Refuser la standardisation n’est pas un argument marketing, mais s’impose comme une méthode de travail pour donner à chaque adresse sa personnalité propre.

Avec 16 hôtels, 7 restaurants, 5 bars, 3 speakeasies et une plage, le groupe rassemble aujourd’hui 350 collaborateurs engagés autour d’une même promesse : offrir une expérience singulière et authentique.  

Le savoir-recevoir proposé par Machefert repose sur un équilibre délicat, fait d’élégance, de créativité et de générosité, sans jamais surjouer les choses. Ce « je-ne-sais-quoi » revendiqué par le groupe qui se traduit dans les détails : atmosphère, rythme, attention portée au visiteur… et construit une hospitalité qui se vit autant qu’on s’en souvient…

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Par Quitterie Pasquesoone

Cultiver un brin d’audace

Si Manon se rêve d’abord ébéniste, le destin prend un malin plaisir à lui mettre des bâtons dans les roues. Elle nous raconte : « Durant mes deux années de formation, mon professeur s’est efforcé de me décourager et de me convaincre que ce n’était pas fait pour moi. Comme je n’aime pas qu’on m’impose des limites, j’ai postulé dans toutes les écoles de France. J’ai été admise dans l’établissement qui lui donnerait le plus tort : l’École Boulle, à Paris, où j’ai étudié quatre ans ». Une sacrée revanche, en effet ! 

Cependant, afin de conclure sa dernière année de formation, la jeune artisane cherche de toute urgence un stage en entreprise. Là encore, coup de théâtre : « Je suis finalement parvenue à dégoter quelque chose. Seul problème : ce n’était pas en ébénisterie, mais en marqueterie de paille. La douche froide… Il faut savoir que j’ai un défaut visuel qui m’empêche de voir en trois dimensions. Par conséquent, je pensais que la marqueterie de paille serait pour moi un enfer. » Résignée, Manon n’a pas le choix. Elle entame cette expérience sans vraiment connaître le domaine et traîne avec elle son lot de préjugés. Malgré tout, il ne lui faudra pas plus de deux jours à la jeune artisane  pour comprendre qu’elle a trouvé sa vocation. Si elle refuse de parler de métier-passion, elle ne tarit pas d’éloge sur sa profession : « J’adore mon métier, et je pense qu’il y a, dans cette adoration, quelque chose de très beau. »

Formée par Marine Fouquet, Meilleur Ouvrier de France, et son mari, Hervé Morin, à l’atelier Maonia, Manon passe entre des mains expertes. En plus d’acquérir les bases, la jeune artisane s’initie aux techniques uniques développées au sein de l’atelier. Plus important encore, elle fait de la rigueur une valeur cardinale : « Marine et Hervé sont d’une exigence folle », se remémore-t-elle, « grâce à eux, j’ai pu progresser et acquérir les bons réflexes, en cherchant à comprendre quelles étaient mes erreurs. »

Fraîchement diplômée, Manon se retrouve alors avec un métier qu’elle adore, mais qu’elle ne peut pas exercer, car, dans le secteur, les embauches se font extrêmement rares. À 23 ans, elle prend donc son courage à deux mains et monte son propre atelier dans le hangar de ses parents. Elle se remémore ses débuts, sans faire l’impasse sur les points d’ombre : « Je suis parti de rien, ça n’a pas été facile tous les jours. Pour me faire une vitrine, je chinais des meubles que je démontais et arrangeais à ma façon. » Ses efforts paient le jour où l’un de ses meubles est sélectionné pour être exposé à Paris : « Je tenais ma chance de marquer les esprits. »

En 2019, lassée de travailler seule, la jeune entrepreneuse s’installe à Lyon et se constitue une petite équipe. À partir de ce moment-là, Manon décide de mettre un point d’honneur à construire et enrichir l’image de l’atelier. « Je voulais montrer que chez Paelis, la technique primait et que nous étions capables de faire des choses que l’on ne voit pas ailleurs. Je voulais que l’on parle de nous et qu’on apprenne à nous connaître par le bouche-à-oreille ». Le pari est réussi : l’atelier œuvre pour des clients aux quatre coins du monde et s’accorde toujours le luxe de refuser un projet. « Le feeling, pour moi, c’est fondamental. Nos projets commencent toujours comme des histoires d’amour. »

Et voilà qu’aujourd’hui, Paelis célèbre ses dix printemps. Lorsqu’elle regarde en arrière, sa fondatrice prend la mesure du chemin parcouru. L’atelier a su trouver sa place, mettre au point un savoir-faire qui lui est propre, réinventant son art pour lui insuffler une vitalité nouvelle — avec ses propres gestes, sa propre empreinte, sa propre ambition. 

L’Atelier Paelis ou la force du collectif

Si Manon arbore fièrement le col tricolore des Meilleurs Ouvriers de France, elle en parle avec une grande modestie. Loin de la distinction ostentatoire, figée, que l’on exhibe aux yeux de tous, elle considère son titre comme un véritable tremplin dans sa carrière : « Le fait d’être une jeune artisane n’inspirait pas toujours confiance, et je tenais à prouver que, malgré mon âge, je savais travailler. Mon col bleu-blanc-rouge, c’est un peu mon costume de Superman ! C’est une source de fierté, en plus d’être un gage de qualité. Lorsque je le porte, on me considère différemment, en faisant abstraction de mon âge. La confiance et la légitimité s’imposent d’elles-mêmes bien qu’au fond, ça ne change rien : avec mon col ou sans, je reste la même. » 

Malgré le prestige de sa position, la marqueteuse garde les pieds sur terre et ne perd jamais de vue ce qui fait la force de Paelis : « sans équipe, il n’y a pas d’atelier ». Ici, chaque victoire se conjugue à la première personne du pluriel ; pas question pour Manon de capter toute la lumière. Elle nous le dit elle-même : « Dans les faits, c’est l’équipe qui fait vivre les projets ; moi, je sers davantage de support et de couteau suisse, j’encadre l’apprentissage, je définis les contraintes. Je souhaitais que l’atelier bénéficie d’un label qui appuie la qualité de son travail et sa volonté de se dépasser. C’est pourquoi Paelis est inscrite aux Entreprises du Patrimoine Vivant. »

Lorsqu’on pousse la porte de l’atelier, ce qui saute tout de suite aux yeux, c’est cette énergie si particulière, presque palpable : on s’y sent tout de suite à l’aise. Sur les murs, une multitude de motifs colorés sont exposés, donnant à la pièce un air de kaléidoscope. Suivant notre regard, Manon nous apporte quelques explications : « Nous avons mis en place plusieurs temps créatifs dans l’année durant lesquels l’équipe confectionne des moodboards sur un thème choisi. Il en va des idées de chacun ! Je suis convaincue que c’est une bonne chose d’être engagé en permanence dans ce processus créatif. » Si la créativité est bel et bien au cœur de son métier, Manon ne nous cache pas qu’elle n’a jamais été son point fort. Elle se définit davantage comme un « pur produit technique ». C’est alors que le travail d’équipe prend tout son sens : les faiblesses des uns sont compensées par les qualités des autres, et ces qualités se partagent sans compter. « Je cherche à transmettre la technicité que j’ai pu acquérir au fil des années, afin que toute l’équipe atteigne un très haut niveau et que l’on soit tous sur un pied d’égalité. Plutôt que d’encourager chacun à se spécialiser, je préfère que tout le monde touche à tout. Lorsqu’on réfléchit ensemble sur un même projet, on se challenge les uns les autres et il s’en dégage une belle émulation. »

La marqueterie de paille — comme tous métiers d’art — ne tolère aucune forme d’inertie. Savoir-faire et méthodes, tout se transmet et se réinvente dans un mouvement perpétuel. Nous interrogeons alors Manon sur l’héritage, les enseignements et les valeurs qu’elle souhaiterait perpétuer et, à son tour, léguer à son équipe. Elle n’hésite pas longtemps avant de nous répondre : « Je veux que l’équipe se souvienne de toujours mettre son ego de côté. Lorsqu’on se laisse déborder par son ego, on n’arrive à rien. J’aimerais qu’elle garde toujours un regard neuf sur son travail et fasse preuve de remise en question. Et jamais — au grand jamais — partir du principe qu’une erreur passera inaperçue ! Travailler avec le plus de sincérité et de cœur possible, se montrer exigeant envers soi-même, c’est, en fin de compte, ce qui fait toute la différence. »

Un métier, mille horizons

Si son titre de Meilleur Ouvrier de France en impose, Manon n’en a pas oublié son sens de l’humour.  Lorsqu’on lui demande de nous décrire le domaine dans lequel elle évolue, sa réponse nous décroche un sourire : « La marqueterie de paille, c’est un peu comme le papier peint tropical : il y a dix ans, on considérait ça comme une énorme faute de goût alors qu’aujourd’hui, c’est dans l’air du temps. Comme tous les revêtements de surface, ça part, ça revient… il y a quelque chose de très cyclique. Et c’est à nous, en tant qu’artisans, de rivaliser de créativité et d’ingéniosité pour faire perdurer notre métier. » 

Seule une poignée d’ateliers dans le monde connaît l’art ancien de broder la lumière, brin après brin, un savoir-faire aussi précieux qu’exigeant. « Ce qui rend la marqueterie de paille luxueuse, ce n’est pas la matière, mais la main-d’œuvre, l’art, la technique. Ce sont des heures et des heures de travail qu’il est impossible d’automatiser : chaque brin de paille est étudié et trié avant d’être collé. La paille, comme toute matière naturelle et vivante, a sa part d’aléatoire, ses imperfections. Malgré tout, chez Paelis, nous visons l’objectif du “sans défaut”. En tant que marqueteurs, nous avons comme particularité de construire notre matière première et essayons d’en tirer le meilleur parti. »

Un artisanat ancien, certes, mais certainement pas nostalgique ! Si le travail de Manon et de son équipe porte sa part de tradition, c’est à l’innovation et à la créativité que l’atelier fait honneur. « J’essaie avant tout de créer un effet de surprise, le petit “waouh” qui fera la différence. J’aime bousculer les codes et aller à contresens de ce que les gens attendent. Dans notre atelier, on ne se bride pas, on ne se borne à aucune limite. Lorsque les clients me décrivent ce qu’ils ont en tête, j’essaie toujours de les pousser plus loin encore dans leur réflexion : s’ils désirent un soleil — un motif somme toute assez classique — pour revêtir une porte, je vais leur suggérer de le décomposer d’une manière unique. Pour l’atelier, c’est un défi supplémentaire. Plutôt que de répéter indéfiniment les mêmes motifs, notre but va être, au contraire, de créer des variations uniques, des signatures visuelles propres à chaque projet. » On le comprend bien : interdiction formelle de se reposer sur ses lauriers ! Chaque détail compte et chaque projet offre l’opportunité d’aller plus loin encore que le précédent. 

C’est d’ailleurs ce goût du défi qui anime la marqueteuse : « Lorsque les clients nous sollicitent pour des projets et que nous ne savons pas encore de quelle manière nous allons procéder, c’est ce qui me fait vibrer ! » Pour illustrer son propos, elle retrace l’histoire du présentoir confectionné à l’occasion d’une épreuve des Bocuse d’Or 2021 : « Le chef Davy Tissot nous a mis au défi de créer pour l’occasion un écrin 100 % végétal. Pour le reste, nous avions carte blanche ! L’atelier a rivalisé d’ingéniosité pendant plusieurs mois et s’est dépassé : colle et impression 3D à base d’amidon, peinture composée d’algues, ouverture sur patin… Nous sommes allés aussi loin que possible, et ce, malgré les contraintes techniques. Je me souviens que le présentoir devait, par exemple, pouvoir supporter la chaleur du four. Il a donc fallu développer de nouvelles techniques pour y parvenir. C’est le genre de défi que j’adore ! » s’enthousiasme Manon. « On part de quelque chose de classique et on réinvente tout. Parfois, on se demande si on ne se heurte pas aux limites du projet, si ce qu’on entreprend n’est pas tout simplement impossible à mettre en œuvre… et puis on trouve une solution !

Cette opportunité ouvre des portes pour Paelis : l’atelier s’immisce dans l’univers de la gastronomie et s’offre une part de notoriété sur le plan international — la légende raconte que le présentoir aurait fait réagir Pierre Gagnaire, jusque dans ses cuisines de Shanghai. « Je suis très reconnaissante envers Davy Tissot de nous avoir lancé ce défi, commente l’artisane et entrepreneuse, on en est ressorti grandi. Sans lui, je n’aurais jamais pensé qu’on était capable de concevoir une telle pièce. » 

La marqueterie de paille a encore de beaux jours devant elle, ça ne fait aucun doute ! Elle intrigue et séduit les grands noms du luxe et les esthètes en tout genre — tous ceux qui aiment admirer les jeux de reflets et qui connaissent la valeur du geste. Entre deux brins de paille, on fait parfois des rencontres inattendues, des rencontres qui changent notre manière de voir les choses. Parmi elles, Richard Peduzzi et Serge Lutens, dont Manon garde un souvenir admiratif : « Ce sont tous les deux de purs créatifs. Ils travaillent dans l’émotion, avec l’émotion. Richard Peduzzi — légende de la scénographie et artiste multidisciplinaire — m’a fait découvrir le monde de l’opéra. Il m’a également fait prendre conscience que mes œuvres existaient dans un contexte global dont il fallait savoir jouer. En ce qui concerne M. Lutens, le feeling est tout de suite passé entre nous. Il m’a ouvert les portes de la parfumerie et j’ai eu la chance de collaborer avec cette extraordinaire Maison. J’ai adoré m’imprégner de leurs univers à tous les deux, découvrir des horizons que je ne connaissais pas et qui, aujourd’hui encore, nourrissent ma réflexion et ma créativité. »

On passerait encore des heures à écouter ces histoires, à contempler les motifs géométriques dans le calme de l’atelier, à se délecter de l’authenticité et du franc-parler de sa fondatrice. Il flotte dans l’air cet effluve végétal, boisé, brut – le parfum de la matière qu’on transforme. Il est pourtant l’heure de conclure notre entretien, plus émerveillé encore qu’à notre arrivée. On demande à Manon quel serait le dernier mot qu’elle souhaiterait adresser à nos lecteurs. Une fois de plus, sa réponse nous fait sourire : « Un mot ? Plutôt neuf – ils sont affichés juste à côté de ma porte d’entrée et m’accompagnent dans la majorité de mes décisions : “ Imagine, tu le fais et ça se passe bien.”

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Par Eduardo Costerg

Pouvez-vous nous parler de votre premier contact avec le piano ?

J’étais tout petit, je devais avoir quatre ans. Mes parents m’avaient offert un « piano », qui était en réalité un jouet, et ça m’a tout de suite plu. Je m’amusais beaucoup à reproduire les musiques que j’entendais à la radio et c’est d’ailleurs comme ça que mes parents se sont aperçus que j’avais l’oreille absolue.

Mais je me souviens très bien de mon tout premier piano – mon premier vrai piano. Ma mère rêvait d’avoir un piano droit blanc à la maison. Par chance, nous avions réussi à en dégoter un qui avait fait son temps, dans les tumultes d’un bar. Je me souviens des brûlures de cigarettes sur la peinture. Pourtant, j’adorais cet instrument parce que j’avais l’impression qu’il était habité par une histoire. Lorsque je m’entraînais dessus, enfant, j’essayais d’inventer la vie passée de ce piano dans cet univers auquel je n’avais pas accès. Il avait ce petit parfum d’interdit.

Quels ont été les moments clés qui ont façonné votre carrière ?

Il y en a eu beaucoup. Une carrière, ça se joue sur les obstacles que l’on parvient à franchir, ça se construit par étapes.

Je pense que je peux citer la première fois que je me suis produit en récital et que j’ai senti qu’il se passait quelque chose dans le public, que ma prestation plaisait. J’étais encore petit, mais c’est un goût que je n’ai jamais oublié. Avoir été le premier pianiste de l’histoire à remplir l’Accord Arena de Paris pour un concert de piano solo, c’est un autre point marquant de mon parcours. J’adore les moments historiques comme celui-là. J’ai également été le premier pianiste à jouer en live sous les aurores boréales ; je me souviens que j’avais les doigts complètement gelés, mais quel spectacle ! La cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques de Paris a été elle aussi un moment particulièrement fort, avec ce piano enflammé sur la Seine. J’ai encore beaucoup d’événements en mémoire, des évènements qui ont changé le cours de ma carrière, mais je pense que l’on peut d’abord citer ceux-là.

Quels grands défis se sont présentés à vous ?

Le plus difficile, c’est de commencer. Je voulais faire comprendre que j’avais des choses à raconter en tant qu’artiste, en tant que pianiste solo, au même titre qu’un chanteur. Je ne voulais pas faire de la musique pour accompagner les autres et qu’on me relègue au second plan. Je souhaitais redéfinir les codes de ce qu’était un pianiste et réinventer une manière d’exister en tant que tel.

Au stade où j’en suis aujourd’hui, le grand défi est avant tout de renouveler mon langage musical. D’une part, avec mon piano, je cherche à préserver cette signature qui m’est propre, à l’étoffer. D’autre part, je veux emmener mes auditeurs dans de nouveaux voyages.

On vous définit souvent comme un pianiste « classique ». Pourtant, vous n’hésitez pas à jouer avec les codes, quitte à les casser. Comment définiriez-vous votre approche musicale ?

En vérité, j’aime bien la figure du pianiste classique. Plus que de changer sa définition, j’aimerais la renouveler, lui donner un peu plus d’ampleur. Pour moi, le piano, c’est l’instrument classique par essence. Quand je suis au clavier, je sais que j’ai sous les doigts tout le répertoire de Chopin, de Ravel, de Debussy… Et quand bien même je voudrais composer un morceau d’une modernité folle, c’est l’Histoire qui dictera ce qui deviendra classique et ce qui ne le deviendra pas.

Je crois qu’en fin de compte, je ne me pose pas trop de questions. Je suis pianiste, c’est tout ; c’est un statut qui, pour moi, englobe toute la musique, tous ses styles, toutes ses variations. Si certains me considèrent comme un pianiste classique, ça me convient très bien. D’autres me rapprochent davantage du pianiste de jazz, et ça me va également – même que je n’ai pas l’impression d’en cocher toutes les cases. Et puis enfin, on parle de moi comme d’un pianiste populaire, et je trouve que c’est un très beau compliment.

Quelles sont vos influences musicales et artistiques ? Qui sont les figures qui vous inspirent ? 

Je suis un grand fan de John Williams. Je pense qu’il n’y a pas meilleur que lui en matière de musique pour le cinéma. Il doit sans doute avoir plus de 90 ans maintenant, et pourtant, il est encore complètement habité. C’est quelqu’un qui, toute sa vie, est parvenu à composer de très grands thèmes, d’une richesse formidable, qui en même temps font partie intégrante de la culture populaire. Sa musique parle à tout le monde sans pourtant faire de concession sur la pureté de la mélodie. Si je ne devais citer qu’une seule de mes sources d’inspiration, ce serait lui.

Y a-t-il encore des rêves que vous n’avez pas encore réalisés ? 

Énormément, oui ! Des rêves, j’en ai sans cesse des nouveaux. Je me sens vraiment attiré par les expériences en pleine nature, comme ce concert sous les aurores boréales. Il y a quelque chose de très fort là-dedans, de vertigineux ; je trouve la nature en règle générale très impressionnante. Je suis d’ailleurs en train de me demander dans quelle mesure je pourrais donner un concert dans une sorte de capsule sous-marine. Ça pourrait être une expérience intéressante, qui sait ?

Je m’imagine beaucoup de choses dans ce genre-là, et parfois, j’ai la chance d’aller au bout de mes idées. D’un seul coup, un projet qui paraissait impossible, qui n’était qu’un exercice d’imagination, devient concret ; c’est toujours incroyable.

Que pouvez-vous nous dire de vos projets en cours ?

Je suis actuellement en train de travailler sur un quatrième album très ambitieux. Je ne peux malheureusement pas vous en dire beaucoup à ce sujet, il faudra faire preuve d’un peu de patience !  Aujourd’hui, je suis installé à Los Angeles et je pense que cet album sera teinté des couleurs que je trouve là-bas. Je suis allé chercher de l’inspiration ailleurs. Je suis dans la continuation de ce voyage dont je parlais précédemment.

Par Eduardo Costerg
Photos: Johann Sauty

Philippe, comment est née l’idée de Mashandy, et quelle vision guidait vos premières créations ?

Philippe : Maria, mon épouse, m’a lancé en 2017 un défi qui allait bouleverser mon rapport à la création : imaginer une collection de joaillerie totalement unique, inspirée des pièces sur mesure que je réalisais pour mes clients. J’ai d’abord douté. Je craignais qu’en créant une marque, la magie du geste se perde dans la reproduction. Mon univers est celui de l’unique, de l’émotion brute.

Mais l’idée a fait son chemin. Ensemble, nous avons commencé à construire un moodboard, à rassembler des matières et des images qui nous parlaient. Je les voulais nobles, mais surtout porteuses d’histoire et d’âme. Enfant, j’ai grandi entouré d’œuvres en bronze : ce métal m’a toujours captivé. Il a une vibration particulière, une chaleur, une mémoire. Le bronze vit, se patine, garde la trace du geste. L’associer à l’or, mais de manière subtile, presque secrète, m’a semblé une évidence.

L’idée fondatrice de Mashandy était de créer une sculpture autour d’une pierre unique, comme un écrin d’art pensé pour elle seule. Chaque bijou naît ainsi en une petite sculpture, avant de trouver son écho dans une œuvre en bronze grandeur nature, d’une vingtaine de kilos. Ces sculptures relient nos créations à un geste fondateur, primitif, celui de la main qui donne vie à la matière.

Je me considère comme un sculpteur de l’infiniment petit. Un bijou Mashandy pourrait exister à trois mètres de hauteur : la forme et le mouvement resteraient justes.

Mes inspirations viennent d’abord de l’art premier. Les masques africains, par exemple, me touchent profondément : ils traduisent la pureté du geste, la vérité du trait, la sincérité de la main. Quand je sculpte un bijou, je dis souvent que le premier outil de l’artiste, ce sont ses doigts. Ce contact charnel entre la main et la matière, c’est là que tout commence.

Avec Mashandy, je voulais bousculer les codes. Mon ambition n’était pas de faire des bijoux, mais de créer un langage entre la sculpture, la matière et la lumière. Je viens d’un héritage joaillier centenaire, mais j’avais besoin d’un espace d’expérimentation, où le bronze dialogue avec l’or, où la pierre rare s’exprime dans une forme brute mais poétique.

Mashandy est née de cette tension entre le geste ancestral et la vision contemporaine, entre l’énergie du feu et la pureté de la forme. Mes inspirations vont des arts premiers aux maîtres modernes, Miklos, Archipenko, Moore, jusqu’aux forces de la nature : les métaux, la terre, les gemmes, la lumière. En somme, Mashandy est une alchimie : une passerelle entre l’art et la matière précieuse.

Maria, vous étiez d’abord la muse de Mashandy avant d’en devenir la co-créatrice. Comment cette évolution s’est-elle opérée, et qu’est-ce qu’elle a changé pour vous ?

Maria : Tout s’est fait naturellement. Au début, j’observais simplement Philippe créer. J’étais fascinée par son rapport à la matière, par sa concentration, par la poésie de ses gestes. Puis, petit à petit, j’ai commencé à partager mes impressions, mes intuitions. Je proposais des couleurs, des formes, des pierres… Et sans que nous nous en rendions compte, nous avons commencé à créer véritablement ensemble.

Mashandy n’est pas seulement une maison de joaillerie : c’est une partie de notre vie. Nos créations sont le reflet de nos caractères, de nos émotions et de notre vision commune de la beauté. Ce que nous faisons n’est pas le fruit d’un concept, mais d’un lien. C’est une histoire d’amour transposée dans la matière.

Cette évolution, pour moi, n’est pas une transition professionnelle. C’est un pas intime, une façon d’écrire ensemble une nouvelle page de notre histoire familiale, dans la continuité de ce que la Maison Guilhem transmet depuis plus de 160 ans.

Quelle touche personnelle souhaitez-vous apporter à Mashandy ? En quoi votre regard de femme influence-t-il les créations ?

Maria : J’apporte à Mashandy une touche de douceur et de légèreté. Philippe a un regard très architectural : il pense les volumes, la tension, l’équilibre.

Moi, je cherche l’émotion du détail. Je passe chaque pièce à travers mon regard de femme, pour sentir sa fluidité, sa justesse, sa façon d’épouser la peau.

Je veux que nos bijoux puissent se vivre aussi bien au quotidien qu’au cœur d’une soirée. Ils doivent être portables, libres, mais toujours habités d’une énergie.

Je crois qu’un bijou réussit quand il fait vibrer celle ou celui qui le porte.

Philippe : Maria a donné à Mashandy une identité plus féminine, plus intuitive. Grâce à elle, nos créations se sont ouvertes à une clientèle plus jeune, en quête de sens et de singularité. Nous partageons cette idée d’un luxe discret, un “quiet luxury” où la beauté réside dans la simplicité du geste et la sincérité de la matière.

Quand vous avez décidé de collaborer sur Mashandy, quelle vision commune guidait votre démarche ? Et comment voyez-vous son évolution aujourd’hui ?

Philippe : Dès le départ, nous avons voulu redonner du sens au mot “création”. Je ne voulais pas d’une marque qui suive des tendances, mais d’une maison qui exprime un langage, une émotion. Mashandy, c’est ce dialogue entre la sculpture, la lumière et le bijou. C’est un espace de liberté, où l’on expérimente, où l’on ressent avant de penser.

Maria : Notre vision est simple : faire grandir Mashandy sans jamais perdre son âme. Nous voulons que la Maison reste artisanale, sincère, ancrée dans la main et dans la matière. Ce n’est pas seulement une marque : c’est une histoire de famille, de confiance et de passion. Nous voulons continuer à toucher les gens par la sensibilité et la précision de notre travail.

Comment se construit votre travail à deux ? Et comment parvenez-vous à faire coexister vos sensibilités ?

Philippe : Nous sommes quatre à l’atelier : Maria, Grace, Irina et moi. Chacun a sa place, son regard. Mais au cœur du processus, il y a ce dialogue entre Maria et moi. Nous partons souvent d’une pierre, d’un coup de cœur, et tout naît autour d’elle.

Notre démarche est instinctive. Avant le dessin, il y a toujours la main. Nous travaillons la pâte, le volume, la forme brute. Nous privilégions la sensation à la technique. Chez Mashandy, la main précède l’idée. C’est ce qui rend chaque pièce unique.

Maria : Nos sensibilités se complètent : Philippe est dans la force du geste, moi dans la douceur du ressenti. C’est un équilibre entre deux énergies. Cette dualité crée l’harmonie, comme un yin et un yang. C’est ce qui donne à Mashandy sa signature.

Philippe : Et c’est sans doute ce que nos confrères perçoivent. Lors des salons internationaux, notre approche suscite souvent la curiosité. Nous avons reçu les félicitations de grands joailliers new-yorkais, fascinés par cette démarche artisanale où tout part de la main. Pour nous, c’est une fierté.

La création semble occuper une place centrale dans vos vies. Comment naissent vos nouvelles idées ?

Philippe : Elles ne s’arrêtent jamais. La création fait partie de ma vie, c’est ma respiration. Parfois, une idée surgit au réveil, d’un rêve ou d’une lumière. Quand je sculpte, je me déconnecte de tout : c’est une forme de méditation.

Récemment, nous avons conçu un bracelet pour une princesse saoudienne. Maria a trouvé un saphir extraordinaire, aux reflets jaunes et bleus. Je me suis inspiré de ses terres natales : Riyad, le désert, les vagues du sable. C’est une pièce très forte, née de notre dialogue et de notre regard commun.

Mashandy s’inscrit dans une lignée familiale et artistique forte. Comment imaginez-vous sa transmission ?

Philippe : La transmission fait partie de notre ADN. Elle commence déjà avec Masha, la fille de Maria. Elle a treize ans, et un talent incroyable pour le dessin. Je crois qu’elle a hérité de cette sensibilité à l’art, à la lumière, à la beauté du geste. Puis Andréa qui est diplômé du GIA de New York et qui se dirige dans cet univers fantastique… le petit dernier a encore du temps devant lui… Peut-être que l’avenir de Mashandy est déjà tracé, d’une certaine manière.

Maria : C’est la plus belle continuité que nous puissions espérer, que Mashandy reste vivant à travers ceux qui portent nos bijoux, et à travers ceux qui, un jour, prendront le relais.

Terre d’harmonie 

L’effervescence des rues de Port-Louis (ou Porlwi, comme on l’écrit en créole), la tranquillité du lagon de Grand Baie, les couleurs vives de Chamarel, la fraîcheur du Jardin de Pamplemousses… L’île Maurice a plus d’un secret pour s’immiscer dans le cœur de ses visiteurs. Terre d’Histoire et de traditions, celle que l’on nomme la « perle de l’océan Indien » est à l’image de ses habitants : sa force et sa beauté, elle les puise dans les mille et un visages qui composent sa culture. Car si leur passé est assombri par la colonisation, les Mauriciens ont depuis longtemps érigé le vivre-ensemble en philosophie. Pour prendre toute la mesure de cette identité si singulière, il faut partir à leur rencontre, découvrir leur culture, leur cuisine et leur spiritualité, s’enfoncer un peu plus dans cette terre où s’ancrent leurs racines. Trait d’union entre trois continents, l’île Maurice est résolument tournée vers l’avenir mais sans rien oublier de son héritage.

Recevoir avec le cœur

En incarnant un art de vivre légendaire, le Royal Palm Beachcomber Luxury se fait ambassadeur de cette richesse et de cet esprit unique. Du portail qui dissimule son écrin aux regards du monde jusqu’à un bel atrium, le palmier royal, emblème de l’institution, incarne dès l’arrivée des visiteurs la promesse d’un délicieux dépaysement. Une fois le hall de l’hôtel franchi, l’horizon s’offre à perte de vue se savoure comme une douce récompense. Enfin, la plage de sable blanc, qui se déroule comme un long ruban, et le lagon d’azur, l’un des plus beaux de l’île, plantent le décor d’un séjour qui s’annonce déjà inoubliable.

Voilà quatre décennies que le cœur de l’hôtel bat au diapason de l’île, et que le temps glisse au rythme des vagues… Et si les frissons de la découverte sont désormais derrière cette grande dame qu’est le Royal Palm, son amour de la vie, son élégance et son épicurisme, eux, demeurent intacts. Quarante ans. Un bel âge à célébrer et une promesse à tenir : continuer à accompagner les rêves de voyageurs hédonistes, une génération après l’autre.

Bienne, un paysage horloger

Je suis né à Bienne et j’y suis profondément enraciné. L’entreprise de mon père, la L. Klein AG, y est établie – fournisseur d’aciers de haute qualité pour l’industrie horlogère suisse. Ici, l’horlogerie vit à travers les habitants, leurs histoires et leurs métiers. Même si, plus jeune, je rêvais de mécanique automobile – l’idée que des pièces, une fois assemblées, se mettent en mouvement me fascinait – l’horlogerie ne m’a jamais vraiment quitté.

Je me suis donc orienté vers un apprentissage d’horloger au ZeitZentrum de Granges. Très vite pourtant, j’ai compris que je souhaitais évoluer dans l’univers des montres, mais pas uniquement derrière un établi. J’aime la mécanique, mais mes rêves avaient besoin d’espace. Je me suis alors tourné vers la vente.

Écouter, s’adapter

À l’issue de ma formation, j’ai débuté mon parcours dans une boutique horlogère exclusive à Interlaken. J’y ai rencontré une clientèle internationale et compris très rapidement que le monde de la vente me procurait un réel plaisir. Peu après, on m’a proposé de collaborer pendant trois semaines à l’ouverture d’une nouvelle boutique à Crans–Montana. Trois semaines qui sont devenues deux ans, jusqu’à ce que l’on m’offre, à seulement 21 ans, l’opportunité de codiriger la boutique.

Cette période a été déterminante. J’ai pu nouer des contacts précieux, notamment avec des collaborateurs de Rolex – une maison avec laquelle l’entreprise de mon père entretenait déjà, depuis des décennies, une relation de confiance. Derrière chaque relation, il y a des personnes ; et c’est dans l’échange humain que naissent les idées. Peu à peu, l’envie d’ouvrir une boutique à Bienne a pris forme.

Une chose en entraînant une autre, une opportunité rare s’est présentée : devenir revendeur officiel Rolex. Tout s’est alors imposé comme une évidence. Bienne est une ville horlogère, mais il lui manquait un lieu où passionnés, collectionneurs et amateurs de montres puissent se rencontrer. C’est ainsi qu’est née la vision d’Art du Temps – pas ailleurs, mais ici, à Bienne.

On m’a parfois dit : « Tu es fou » ; et cela m’a suffi pour comprendre que j’allais dans la bonne direction.

L’identité Art du Temps : le raffinement sans la distance

J’avais une exigence claire et assumée – mobilier, lumière, détails – mais sans aucun aspect théâtral. Se sentir bien, pouvoir rester soi–même, c’est pour moi le véritable luxe. Dès le premier pas dans la boutique, je voulais que le client ressente cet équilibre entre élégance et discrétion, accompagné d’un bien–être immédiat et naturel.

Notre plus grand défi

Accorder une attention sincère aux détails et leur donner toute la place qu’ils méritent. Construction, concept, logo, systèmes – sans jamais oublier l’aspect de la restauration. Partir de zéro signifie tout réinventer. Et ce sont souvent les dernières « petites choses » qui demandent le plus d’énergie.

Le moment décisif ? Sans aucun doute la réalisation concrète de l’aménagement intérieur, après des mois de réflexion, de croquis et de concepts. Les couleurs, les matières, la lumière… et soudain, tout s’est accordé.

Le luxe, une perception personnelle

Le luxe est quelque chose de profondément personnel. Pour certains, c’est une voiture ; pour d’autres, une semaine de vacances ou simplement du temps passé avec ses enfants. J’ai voulu qu’Art du Temps offre un espace où chacun puisse vivre sa propre définition du luxe. Une petite équipe, du temps accordé à chaque visiteur, sans aucune pression à l’achat – qu’il s’agisse d’un client de passage ou d’un passionné de longue date. Il me tient également à cœur de rendre l’univers de l’horlogerie et de la joaillerie accessible aux jeunes générations. Après tout, j’en fais moi–même partie.

Et moi, dans tout ça ?

Je suis davantage passionné de montres que de bijoux, même si l’univers de la joaillerie me fascine par sa créativité. Ma première « belle » montre, achetée à 18 ans avec l’argent gagné pendant les vacances en travaillant chez mon père, était une Daytona en acier. Elle m’accompagne encore aujourd’hui : intemporelle, pratique, parfaitement adaptée au quotidien.

Dans le monde de l’horlogerie, le rêve ne s’arrête jamais. Porter un jour une montre dotée de grandes complications, comme un calendrier perpétuel, reste un souhait très personnel. Une montre est pour moi bien plus qu’un objet : elle est le symbole du temps vécu et des moments qui comptent.

Art du Temps, c’est pour moi la valorisation du temps.

Une Maison liée au destin de Barcelone

Pour parler de l’origine de la Casa Batlló, il faut d’abord plonger dans l’histoire urbanistique de Barcelone. En effet, à partir de 1860, un ambitieux plan urbanistique — le Plan Cerdà — vient donner un nouveau souffle à la capitale catalane. Au cœur de ce plan, le Passeig de Gràcia se profile alors comme l’avenue principale de la ville, et c’est pour cette raison que les illustres familles barcelonaises ne tardent pas à s’y installer. 

Au numéro 43, un premier bâtiment est construit par Emili Sala Cortés — l’un des professeurs d’architecture de Gaudí. Josep Batlló i Casanovas, riche industriel textile, en fait l’acquisition en 1903, mais envisage de le démolir entièrement pour faire bâtir à la place la demeure de ses rêves. Il confie les clefs du projet à Antoni Gaudí qui, plutôt que de partir d’une toile blanche, convainc Batlló i Casanovas de repenser entièrement la bâtisse. L’architecte a carte blanche. En 1904, les restaurations commencent : la façade est métamorphosée, les pièces sont redistribuées et chaque élément de la maison est retravaillé comme une œuvre d’art. 1906 marque la fin des travaux et le début de la renommée de cet édifice qui, 120 ans plus tard, émerveille toujours autant. En plus d’être un des symboles de Barcelone et une fière ambassadrice du modernisme catalan, Casa Batlló est aujourd’hui inscrite au patrimoine mondial de l’UNESCO.

Des restaurations d’envergure

À partir de 2018, la Casa Batlló entreprend une grande remise en beauté et c’est bien sûr par « l’Étage noble » que cela commence. « Ici, les murs parlent, affirme Neus Zapata qui travaille sur le projet. Des choses étonnantes sont découvertes lors de chaque restauration à la Casa Batlló. » En effet, enseveli sous des couches de peinture, on redécouvre le stuc original de la maison, un trésor caché qui donne de nouveaux indices sur l’aspect premier de la maison à sa création. Des escaliers du hall principal jusqu’au toit et à la façade, rien n’est laissé au hasard ! Lampes, céramique, menuiserie, trencadis, ferronnerie… Le projet réunit des artisans et des corps de métiers aussi divers que rares. 

Mais une œuvre totale telle que la Casa Batlló demande, en plus de talent, beaucoup de temps. Lorsqu’on demande à Xavier Villanueva, architecte et membre de l’équipe de restauration, quand s’achèveront les restauration du bâtiment, sa réponse a de quoi surprendre : « Jamais ! La Casa Batlló fait l’objet de restaurations continues. Ce ne sont que les premières étapes d’un projet beaucoup plus vaste. De plus, la maison abrite encore beaucoup de mystères qu’il nous faut élucider. » 

Si cette dernière salve de restauration a pris fin en 2025, il semblerait que le bâtiment n’ait pas encore révélé tous ses secrets ! Dernière découverte en date : la restauration de la façade arrière et de la cour privée situées à l’étage noble. L’un des projet les plus ambitieux de l’histoire de la maison. « Lorsque nous avons découvert les couleurs d’origine, nous n’en croyions pas nos yeux. La façade actuelle est comme le négatif photographique de l’ancienne. » C’est ainsi que Xavier Villanueva, décrit l’émotion qu’il a ressentie en redécouvrant les couleurs d’origine cachées sous plusieurs couches de peinture. Les découvertes que nous avons faites concernent les formes, les couleurs et les matériaux utilisés dans le reste de la Casa Batlló. Au fur et à mesure de la restauration, nous avons retrouver l’essence même de Gaudí, et toute la maison a gagné en harmonie. »

Le diable est dans les détails

Pour illustrer l’esprit de la maison, difficile de ne parler que d’une pièce, que d’un élément. En fier représentant du mouvement moderniste, né à Barcelone à la fin du XIXe siècle, l’édifice fait la part belle à l’artisanat, à l’ingéniosité et à l’attention portée à chaque détail. Tout ici évoque le monde du vivant, la nature, mais aussi le rêve et l’imaginaire. Le toit préfigure les écailles iridescentes d’un dragon (en hommage à la légende de Saint George, saint patron de Catalogne), des colonnes semblables à des os, des balcons en forme de fleurs ou de masques… En ces lieux, le symbole est maître, mais il ne règne pas seul : comme dans toute œuvre architecturale, l’aspect fonctionnel de chaque pièce est un enjeu majeur. Le puits de lumière, au centre du bâtiment, incarne à la perfection cette recherche esthétique et pratique de Gaudí. Véritable cœur de la maison, le puits ,couvert par une armature en verre, permet de baigner chaque pièce de lumière naturelle. En regardant de plus près les carreaux qui le revêtent, on remarque des variations subtiles dans les nuances de bleu : plus intense aux niveaux supérieur et plus clair en bas, les couleurs diffusent la lumière de manière homogène.

« Cette demeure est spéciale, nous confie Neus Zapata, j’ai travaillé sur de nombreuses créations de Gaudí, mais dans cette maison, on lui a laissé carte blanche et il s’est vraiment amusé. Cela se voit partout : dans les couleurs, les formes, la lumière… Si on la compare à ses autres créations, celle-ci est véritablement différente. Gaudí était heureux ici ! »

Par Eduardo Costerg

L’art du talisman selon Sarah Mugnier

Au numéro 5 du Clos-Belmont, à Genève, Sarah Mugnier a bâti bien plus qu’une maison : un monde. Gemmologue et fondatrice de Maison Belmont, elle y a créé un écrin à son image – un lieu où la joaillerie dialogue avec les arts, les symboles et les émotions. Entre murs de velours émeraude, objets chinés et lumières feutrées, son showroom évoque l’esprit des salons d’antan : un espace d’échanges, de rêve et d’audace.

OCTA Link : le lien se fait bijou

Cet automne, la créatrice genevoise dévoile OCTA Link, une nouvelle variation de sa collection emblématique OCTA, où l’octogone – symbole de prospérité et d’harmonie – devient le cœur battant du bijou. Deux maillons octogonaux s’y entrelacent, comme deux âmes liées par un fil invisible. Entièrement façonné à la main dans les ateliers de Genève, chaque bracelet est unique et personnalisable : en or 18 carats (jaune, rose ou blanc) ou en argent, poli ou serti de diamants et de gemmes colorées.

Porte-bonheur délicat, OCTA Link célèbre ces liens que l’on choisit – familiaux, amicaux ou amoureux. À offrir ou à s’offrir, seul ou en duo, il devient un talisman contemporain, discret mais chargé de sens.

Un univers entre rêve et savoir-faire

Dans la lignée de sa collaboration artistique avec Vincent Darré pour la collection Fantasmagoria, Sarah Mugnier poursuit son exploration de la joaillerie narrative. Ses créations, inspirées de la Renaissance et nourries de symboles, unissent imagination, technicité et héritage. Chez Maison Belmont, chaque bijou est un fragment d’histoire : une rencontre entre la matière et l’esprit, la main et la lumière.

Avec OCTA Link, Maison Belmont scelle une nouvelle promesse : transformer la géométrie en émotion, l’or en attachement, et le bijou en langage du cœur.

La chimie derrière l’émotion 

Francis Kurkdjian fait une entrée fracassante dans le monde de la parfumerie : en 1995, il donne corps au « Mâle », la fragrance iconique de la maison Jean Paul Gaultier. Déjà, il manifeste le désir de donner une dimension autre à la création olfactive, de sortir des sentiers battus. Intriguée par sa vision des choses, l’artiste plasticienne Sophie Calle demande au jeune parfumeur (il a alors trente ans) d’imaginer pour elle « le parfum de l’argent ». « Lorsque j’ai rencontré Sophie Calle, je n’étais créateur de parfum que depuis quatre ans seulement », se souvient Francis Kurkdjian. « Elle a été l’incarnation d’une envie d’art que j’avais avant même de la rencontrer. J’étais surpris par cette commande d’autant que j’ai pu imaginer son odeur en toute liberté, loin des projets formatés auxquels j’étais habitué. En me confrontant à cette commande insolite, j’ai compris que le parfum ne pouvait devenir un véritable medium artistique qu’en s’affranchissant des codes et des critères esthétiques et hédonistes propres à la parfumerie commerciale. »

Son sens artistique lui ouvre les portes des plus grandes maisons ; il invente pour celles-ci des parfums à l’identité singulière. L’année 2009 vient marquer un nouveau tournant dans la carrière du parfumeur : en s’associant à Marc Chaya, Francis Kurkdjian cofonde une maison qui porte son nom, mais aussi ses ambitions. Si chaque fragrance naît ici avec l’exigence de la tradition de la parfumerie française, Maison Francis Kurkdjian n’en défend pas moins une vision contemporaine de la création et de l’art de porter du parfum. C’est l’émotion qui, inconditionnellement, tire ce trait d’union entre héritage et modernité et renouvelle sans cesse le souffle de : « Le parfum est avant tout un art de créer des émotions. Mais c’est aussi un art d’occuper l’espace : il se diffuse, imprègne l’air, peut entrer en résonance avec d’autres odeurs ou d’autres compositions olfactives. Le parfum, surtout, est invisible. Comment le montrer ? La confrontation avec les autres arts a été essentielle. Le croisement avec d’autres disciplines m’a permis de donner forme à des parfums, en jouant avec l’espace, la lumière, le son, la matière. »

Forte de la philosophie de son créateur et convaincue que le parfum a lui aussi sa place derrière les vitrines de musée, la Maison dévoilait, en novembre 2025, une grande rétrospective au cœur du Palais de Tokyo. En invitant les visiteurs à pénétrer dans le bureau du parfumeur, figuré par des objets qui lui sont chers, des livres, des films, des photographies, l’exposition révélait moins un espace-laboratoire qu’un atelier mental, une fenêtre ouverte sur la richesse des univers olfactifs singés Francis Kurkdjian. Véritables sculptures de l’invisible, ses parfums s’y présentaient comme des œuvres plastiques à part entière, dont la matière se respire.

Baccarat Rouge 540 : parfum des parfums

Comment parler de Maison Francis Kurkdjian sans évoquer ce parfum au nom énigmatique qui pourtant sonne comme une évidence. C’est en 2014, à l’occasion du 250e anniversaire de la Maison Baccarat, que naît la collaboration avec Maison Francis Kurkdjian. Au cours de cette rencontre se révèlent les secrets du mythique rouge à l’or de la célèbre cristallerie qui ont inspiré la création de cette fragrance unique à bien des égards. La métamorphose d’un cristal clair qui, mêlé à une poudre d’or 24 carats et porté à une fusion progressive de 540 degrés Celsius, se pare d’un rouge éclatant : le rouge à l’or. D’abord édité dans une série limitée à 250 flacons numérotés en cristal, le sillage mystérieux et addictif de Baccarat Rouge 540 devient très vite une obsession et demeure, aujourd’hui encore, un incontournable du vestiaire olfactif de Maison Francis Kurkdjian.

Aujourd’hui décliné en eau de parfum, en extrait de parfum et dans une riche multitude de gestes parfumés, Baccarat Rouge 540 n’a rien perdu de sa superbe. Au cœur du flacon, trois souffles : le premier minéral, comme une métaphore du cristal porté par l’Ambroxan — substitut artificiel aux notes ambrées, boisées sèches et minérales de l’ambre gris. Le second, le souffle du feu, faisant écho à la fusion par l’accord safran et l’éthyl-maltol, accentuant l’effet gourmand de la composition. Et enfin l’air, le souffle du savoir-faire qui façonne le cristal et s’illustre par des notes d’hédione aux accents jasmin. « Ce sillage hors norme rend ce parfum mystérieux. Baccarat Rouge 540 symbolise l’alchimie des sens », précise le parfumeur. Une alchimie, oui, par laquelle les éléments dialoguent, se transfigurent et se subliment, entre intensité et lumière. Un parfum qui, à l’image de son créateur, transcende l’ordinaire et invente ses propres codes.

Par Eduardo Costerg

Pouvez-vous vous présenter et nous exposer votre parcours ?

J’ai quitté le Japon, dont je suis originaire, pour poursuivre mes études de cuisine au Royaume-Uni. J’y suis revenu par la suite pour suivre une formation en cuisine japonaise afin de développer mon expertise. J’ai travaillé quelques temps là-bas, dans la ville de Kumamoto, avant de retourner à Londres où j’ai rejoint le groupe Matsuhisa. Dès lors, de nombreuses opportunités se sont présentées à moi ; j’ai par exemple eu la chance de travailler dans un des établissements du groupe installé en Grèce. J’ai commencé mon parcours en tant que sous-chef avant de monter en grade et d’atteindre le statut de chef. Le destin m’a alors mené à Genève, où j’ai intégré les cuisines d’Izumi, à l’Hôtel des Bergues, avant de prendre la tête de SACHI au Mandarin Oriental, Geneva. Nous étions alors en 2022.

D’où vous vient cette passion pour la cuisine ? 

Je dois avouer que j’ai toujours aimé cuisiner. Au Japon, je préparais parfois à manger pour mes amis, venus des quatre coins du monde, afin de leur faire découvrir la culture japonaise par le biais de la cuisine. La dimension culturelle et internationale de cette dernière m’a toujours semblé fascinante. C’est sûrement cela qui m’a donné envie de quitter mon Japon natal et de poursuivre mes études au Royaume-Uni ; je désirais découvrir d’autres horizons. Plus j’en apprenais sur cette nouvelle culture, plus j’étais curieux de découvrir la cuisine qui y était associée. En parallèle, cette envie de partager mon héritage japonais avec les autres ne me quittait pas et la cuisine s’est révélée le moyen idéal pour l’exprimer.

Quels enseignements essentiels tirez-vous de votre collaboration avec le chef Nobu ?

Je pense que le chef a été précurseur d’un nouveau style de cuisine japonaise. À l’époque où il a commencé sa carrière, on trouvait encore difficilement de bons produits japonais à l’étranger. En rivalisant d’ingéniosité, le chef a donc appris à tirer le meilleur parti des ingrédients à sa disposition pour enrichir sa cuisine. Je pense que rester ouvert à de nouvelles idées et savoir s’adapter sont des points clefs pour un chef, c’est du moins ce que j’essaie chaque jour de mettre en œuvre dans ma pratique. Au delà de la cuisine, le chef Nobu a énormément travaillé à l’international, avec des équipes de tout horizon. J’ai beaucoup appris de sa manière de diriger les brigades et de concilier les différends culturels qui peuvent subsister.

Pensez-vous qu’il s’agisse du plus grand défi, en tant que chef ? 

Effectivement, la gestion de ses équipes est un défi non négligeable. Cependant, pour ma part, le principal challenge réside dans la constance et la qualité de la cuisine. C’est d’autant plus vrai lorsque l’on exerce son métier au sein d’un établissement comme l’hôtel Mandarin Oriental, Geneva. Je travaille ici avec les meilleurs ingrédients du Japon, mais je suis toujours en quête de produits venant d’ailleurs, afin de créer de nouvelles combinaisons de saveurs. C’est un pan de mon métier que je trouve extrêmement intéressant. 

Il est clair que vous établissez un lien direct entre culture et cuisine, qu’il s’agit d’une ouverture sur le monde et sur les autres. Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur votre philosophie ?

Pour moi — et j’enfonce peut-être une porte ouverte —, la cuisine commence toujours par les saveurs. Plus qu’on goûte mes plats, je souhaite qu’on les comprenne, que mes clients s’interrogent sur ce qu’ils sont en train de déguster. Pour cela, je fais attention à ce que mes mets ne soient jamais trop riches, qu’ils ne présentent pas une surenchère d’arômes et d’informations. Tout doit être lu dans une seule assiette. 

Je pense que ce principe exprime parfaitement ce qu’est la cuisine japonaise. Pour ne prendre qu’un exemple, celui des sushis — le plus populaire des mets japonais —, on comprend sans mal qu’il s’agit d’un plat très simple, composé d’ingrédients qui le sont tout autant : du riz, du poisson, du wasabi et de la sauce soja. C’est la technique et la fraîcheur qui font alors toute la différence. En quelque sorte, il est question de rendre hommage à ses produits. On pourrait parler de simplicité complexe, qui nécessite beaucoup d’expérience pour être correctement réalisée.

SACHI repose sur un concept bien spécifique, celui de l’omakase. Pouvez-vous nous expliquer de quoi il s’agit ?

À vrai dire, SACHI incarne deux idées : on retrouve cet aspect, somme toute très classique, où nous proposons à nos clients des menus mettant en avant une cuisine japonaise moderne.

Le concept omakase, lui, s’inscrit dans une démarche plus traditionnelle ; en japonais, le terme signifie « le choix du chef » ou « je m’en remets au chef ». Il s’agit donc de composer un menu unique en huit ou dix plats, en accord avec la saison et les envies du chef. Les clients curieux prennent part à cette expérience attablés au comptoir du maître sushi — qui prépare sous leurs yeux chacune des pièces. Leur sont alors servis successivement des apéritifs, une soupe suivie de sashimis, de tempuras, d’un poisson et d’une viande. Pour conclure le repas, une sélection de sushis d’une remarquable fraîcheur les attendent.

Je me permets d’insister sur le fait que, dans les menus omakase comme dans toute la gastronomie japonaise, la saisonnalité tient une place primordiale. À SACHI, nous souhaitons reproduire l’expérience omakase telle qu’on la vit au Japon, en suivant le rythme des saisons ; cela me tient véritablement à cœur. L’idée consiste avant tout à proposer une cuisine respectueuse de l’héritage japonais, tout en restant accessible, et ainsi offrir à nos clients une expérience agréable axée sur le plaisir de la découverte.

Bien sûr, même si nous sommes pétris de ces traditions culinaires, nous ne manquons jamais d’apporter notre touche personnelle pour créer la surprise. J’aime, par exemple, revisiter les sushis en proposant des garnitures originales et rares, comme de la truffe. J’aime concevoir cela comme une forme de collaboration culinaire où les influences se rencontrent. Lorsqu’un ingrédient japonais est difficile à obtenir, nous cherchons à le remplacer par des produits locaux de grande qualité. Cela contribue à créer un bel équilibre entre tradition et adaptation. En guise d’illustration, au printemps dernier, notre menu Omakase met à l’honneur la truite suisse.

Comment exprimeriez-vous la notion de célébration dans une assiette ?

Comme je le disais, au Japon, chaque saison a une signification particulière. Le mois d’avril est celui des cerisiers en fleurs, et marque également le début de l’année scolaire. C’est une période de renouveau et un mois profondément symbolique, plein de promesses. J’ai tenté de retranscrire cet esprit dans notre menu omakase de printemps. J’aimerais faire ressentir aux clients cette énergie, cette fraîcheur, comme un avant-goût printanier. Voilà l’idée que je me fais de la notion de célébration.