Cultiver un brin d’audace

Si Manon se rêve d’abord ébéniste, le destin prend un malin plaisir à lui mettre des bâtons dans les roues. Elle nous raconte : « Durant mes deux années de formation, mon professeur s’est efforcé de me décourager et de me convaincre que ce n’était pas fait pour moi. Comme je n’aime pas qu’on m’impose des limites, j’ai postulé dans toutes les écoles de France. J’ai été admise dans l’établissement qui lui donnerait le plus tort : l’École Boulle, à Paris, où j’ai étudié quatre ans ». Une sacrée revanche, en effet ! 

Cependant, afin de conclure sa dernière année de formation, la jeune artisane cherche de toute urgence un stage en entreprise. Là encore, coup de théâtre : « Je suis finalement parvenue à dégoter quelque chose. Seul problème : ce n’était pas en ébénisterie, mais en marqueterie de paille. La douche froide… Il faut savoir que j’ai un défaut visuel qui m’empêche de voir en trois dimensions. Par conséquent, je pensais que la marqueterie de paille serait pour moi un enfer. » Résignée, Manon n’a pas le choix. Elle entame cette expérience sans vraiment connaître le domaine et traîne avec elle son lot de préjugés. Malgré tout, il ne lui faudra pas plus de deux jours à la jeune artisane  pour comprendre qu’elle a trouvé sa vocation. Si elle refuse de parler de métier-passion, elle ne tarit pas d’éloge sur sa profession : « J’adore mon métier, et je pense qu’il y a, dans cette adoration, quelque chose de très beau. »

Formée par Marine Fouquet, Meilleur Ouvrier de France, et son mari, Hervé Morin, à l’atelier Maonia, Manon passe entre des mains expertes. En plus d’acquérir les bases, la jeune artisane s’initie aux techniques uniques développées au sein de l’atelier. Plus important encore, elle fait de la rigueur une valeur cardinale : « Marine et Hervé sont d’une exigence folle », se remémore-t-elle, « grâce à eux, j’ai pu progresser et acquérir les bons réflexes, en cherchant à comprendre quelles étaient mes erreurs. »

Fraîchement diplômée, Manon se retrouve alors avec un métier qu’elle adore, mais qu’elle ne peut pas exercer, car, dans le secteur, les embauches se font extrêmement rares. À 23 ans, elle prend donc son courage à deux mains et monte son propre atelier dans le hangar de ses parents. Elle se remémore ses débuts, sans faire l’impasse sur les points d’ombre : « Je suis parti de rien, ça n’a pas été facile tous les jours. Pour me faire une vitrine, je chinais des meubles que je démontais et arrangeais à ma façon. » Ses efforts paient le jour où l’un de ses meubles est sélectionné pour être exposé à Paris : « Je tenais ma chance de marquer les esprits. »

En 2019, lassée de travailler seule, la jeune entrepreneuse s’installe à Lyon et se constitue une petite équipe. À partir de ce moment-là, Manon décide de mettre un point d’honneur à construire et enrichir l’image de l’atelier. « Je voulais montrer que chez Paelis, la technique primait et que nous étions capables de faire des choses que l’on ne voit pas ailleurs. Je voulais que l’on parle de nous et qu’on apprenne à nous connaître par le bouche-à-oreille ». Le pari est réussi : l’atelier œuvre pour des clients aux quatre coins du monde et s’accorde toujours le luxe de refuser un projet. « Le feeling, pour moi, c’est fondamental. Nos projets commencent toujours comme des histoires d’amour. »

Et voilà qu’aujourd’hui, Paelis célèbre ses dix printemps. Lorsqu’elle regarde en arrière, sa fondatrice prend la mesure du chemin parcouru. L’atelier a su trouver sa place, mettre au point un savoir-faire qui lui est propre, réinventant son art pour lui insuffler une vitalité nouvelle — avec ses propres gestes, sa propre empreinte, sa propre ambition. 

L’Atelier Paelis ou la force du collectif

Si Manon arbore fièrement le col tricolore des Meilleurs Ouvriers de France, elle en parle avec une grande modestie. Loin de la distinction ostentatoire, figée, que l’on exhibe aux yeux de tous, elle considère son titre comme un véritable tremplin dans sa carrière : « Le fait d’être une jeune artisane n’inspirait pas toujours confiance, et je tenais à prouver que, malgré mon âge, je savais travailler. Mon col bleu-blanc-rouge, c’est un peu mon costume de Superman ! C’est une source de fierté, en plus d’être un gage de qualité. Lorsque je le porte, on me considère différemment, en faisant abstraction de mon âge. La confiance et la légitimité s’imposent d’elles-mêmes bien qu’au fond, ça ne change rien : avec mon col ou sans, je reste la même. » 

Malgré le prestige de sa position, la marqueteuse garde les pieds sur terre et ne perd jamais de vue ce qui fait la force de Paelis : « sans équipe, il n’y a pas d’atelier ». Ici, chaque victoire se conjugue à la première personne du pluriel ; pas question pour Manon de capter toute la lumière. Elle nous le dit elle-même : « Dans les faits, c’est l’équipe qui fait vivre les projets ; moi, je sers davantage de support et de couteau suisse, j’encadre l’apprentissage, je définis les contraintes. Je souhaitais que l’atelier bénéficie d’un label qui appuie la qualité de son travail et sa volonté de se dépasser. C’est pourquoi Paelis est inscrite aux Entreprises du Patrimoine Vivant. »

Lorsqu’on pousse la porte de l’atelier, ce qui saute tout de suite aux yeux, c’est cette énergie si particulière, presque palpable : on s’y sent tout de suite à l’aise. Sur les murs, une multitude de motifs colorés sont exposés, donnant à la pièce un air de kaléidoscope. Suivant notre regard, Manon nous apporte quelques explications : « Nous avons mis en place plusieurs temps créatifs dans l’année durant lesquels l’équipe confectionne des moodboards sur un thème choisi. Il en va des idées de chacun ! Je suis convaincue que c’est une bonne chose d’être engagé en permanence dans ce processus créatif. » Si la créativité est bel et bien au cœur de son métier, Manon ne nous cache pas qu’elle n’a jamais été son point fort. Elle se définit davantage comme un « pur produit technique ». C’est alors que le travail d’équipe prend tout son sens : les faiblesses des uns sont compensées par les qualités des autres, et ces qualités se partagent sans compter. « Je cherche à transmettre la technicité que j’ai pu acquérir au fil des années, afin que toute l’équipe atteigne un très haut niveau et que l’on soit tous sur un pied d’égalité. Plutôt que d’encourager chacun à se spécialiser, je préfère que tout le monde touche à tout. Lorsqu’on réfléchit ensemble sur un même projet, on se challenge les uns les autres et il s’en dégage une belle émulation. »

La marqueterie de paille — comme tous métiers d’art — ne tolère aucune forme d’inertie. Savoir-faire et méthodes, tout se transmet et se réinvente dans un mouvement perpétuel. Nous interrogeons alors Manon sur l’héritage, les enseignements et les valeurs qu’elle souhaiterait perpétuer et, à son tour, léguer à son équipe. Elle n’hésite pas longtemps avant de nous répondre : « Je veux que l’équipe se souvienne de toujours mettre son ego de côté. Lorsqu’on se laisse déborder par son ego, on n’arrive à rien. J’aimerais qu’elle garde toujours un regard neuf sur son travail et fasse preuve de remise en question. Et jamais — au grand jamais — partir du principe qu’une erreur passera inaperçue ! Travailler avec le plus de sincérité et de cœur possible, se montrer exigeant envers soi-même, c’est, en fin de compte, ce qui fait toute la différence. »

Un métier, mille horizons

Si son titre de Meilleur Ouvrier de France en impose, Manon n’en a pas oublié son sens de l’humour.  Lorsqu’on lui demande de nous décrire le domaine dans lequel elle évolue, sa réponse nous décroche un sourire : « La marqueterie de paille, c’est un peu comme le papier peint tropical : il y a dix ans, on considérait ça comme une énorme faute de goût alors qu’aujourd’hui, c’est dans l’air du temps. Comme tous les revêtements de surface, ça part, ça revient… il y a quelque chose de très cyclique. Et c’est à nous, en tant qu’artisans, de rivaliser de créativité et d’ingéniosité pour faire perdurer notre métier. » 

Seule une poignée d’ateliers dans le monde connaît l’art ancien de broder la lumière, brin après brin, un savoir-faire aussi précieux qu’exigeant. « Ce qui rend la marqueterie de paille luxueuse, ce n’est pas la matière, mais la main-d’œuvre, l’art, la technique. Ce sont des heures et des heures de travail qu’il est impossible d’automatiser : chaque brin de paille est étudié et trié avant d’être collé. La paille, comme toute matière naturelle et vivante, a sa part d’aléatoire, ses imperfections. Malgré tout, chez Paelis, nous visons l’objectif du “sans défaut”. En tant que marqueteurs, nous avons comme particularité de construire notre matière première et essayons d’en tirer le meilleur parti. »

Un artisanat ancien, certes, mais certainement pas nostalgique ! Si le travail de Manon et de son équipe porte sa part de tradition, c’est à l’innovation et à la créativité que l’atelier fait honneur. « J’essaie avant tout de créer un effet de surprise, le petit “waouh” qui fera la différence. J’aime bousculer les codes et aller à contresens de ce que les gens attendent. Dans notre atelier, on ne se bride pas, on ne se borne à aucune limite. Lorsque les clients me décrivent ce qu’ils ont en tête, j’essaie toujours de les pousser plus loin encore dans leur réflexion : s’ils désirent un soleil — un motif somme toute assez classique — pour revêtir une porte, je vais leur suggérer de le décomposer d’une manière unique. Pour l’atelier, c’est un défi supplémentaire. Plutôt que de répéter indéfiniment les mêmes motifs, notre but va être, au contraire, de créer des variations uniques, des signatures visuelles propres à chaque projet. » On le comprend bien : interdiction formelle de se reposer sur ses lauriers ! Chaque détail compte et chaque projet offre l’opportunité d’aller plus loin encore que le précédent. 

C’est d’ailleurs ce goût du défi qui anime la marqueteuse : « Lorsque les clients nous sollicitent pour des projets et que nous ne savons pas encore de quelle manière nous allons procéder, c’est ce qui me fait vibrer ! » Pour illustrer son propos, elle retrace l’histoire du présentoir confectionné à l’occasion d’une épreuve des Bocuse d’Or 2021 : « Le chef Davy Tissot nous a mis au défi de créer pour l’occasion un écrin 100 % végétal. Pour le reste, nous avions carte blanche ! L’atelier a rivalisé d’ingéniosité pendant plusieurs mois et s’est dépassé : colle et impression 3D à base d’amidon, peinture composée d’algues, ouverture sur patin… Nous sommes allés aussi loin que possible, et ce, malgré les contraintes techniques. Je me souviens que le présentoir devait, par exemple, pouvoir supporter la chaleur du four. Il a donc fallu développer de nouvelles techniques pour y parvenir. C’est le genre de défi que j’adore ! » s’enthousiasme Manon. « On part de quelque chose de classique et on réinvente tout. Parfois, on se demande si on ne se heurte pas aux limites du projet, si ce qu’on entreprend n’est pas tout simplement impossible à mettre en œuvre… et puis on trouve une solution !

Cette opportunité ouvre des portes pour Paelis : l’atelier s’immisce dans l’univers de la gastronomie et s’offre une part de notoriété sur le plan international — la légende raconte que le présentoir aurait fait réagir Pierre Gagnaire, jusque dans ses cuisines de Shanghai. « Je suis très reconnaissante envers Davy Tissot de nous avoir lancé ce défi, commente l’artisane et entrepreneuse, on en est ressorti grandi. Sans lui, je n’aurais jamais pensé qu’on était capable de concevoir une telle pièce. » 

La marqueterie de paille a encore de beaux jours devant elle, ça ne fait aucun doute ! Elle intrigue et séduit les grands noms du luxe et les esthètes en tout genre — tous ceux qui aiment admirer les jeux de reflets et qui connaissent la valeur du geste. Entre deux brins de paille, on fait parfois des rencontres inattendues, des rencontres qui changent notre manière de voir les choses. Parmi elles, Richard Peduzzi et Serge Lutens, dont Manon garde un souvenir admiratif : « Ce sont tous les deux de purs créatifs. Ils travaillent dans l’émotion, avec l’émotion. Richard Peduzzi — légende de la scénographie et artiste multidisciplinaire — m’a fait découvrir le monde de l’opéra. Il m’a également fait prendre conscience que mes œuvres existaient dans un contexte global dont il fallait savoir jouer. En ce qui concerne M. Lutens, le feeling est tout de suite passé entre nous. Il m’a ouvert les portes de la parfumerie et j’ai eu la chance de collaborer avec cette extraordinaire Maison. J’ai adoré m’imprégner de leurs univers à tous les deux, découvrir des horizons que je ne connaissais pas et qui, aujourd’hui encore, nourrissent ma réflexion et ma créativité. »

On passerait encore des heures à écouter ces histoires, à contempler les motifs géométriques dans le calme de l’atelier, à se délecter de l’authenticité et du franc-parler de sa fondatrice. Il flotte dans l’air cet effluve végétal, boisé, brut – le parfum de la matière qu’on transforme. Il est pourtant l’heure de conclure notre entretien, plus émerveillé encore qu’à notre arrivée. On demande à Manon quel serait le dernier mot qu’elle souhaiterait adresser à nos lecteurs. Une fois de plus, sa réponse nous fait sourire : « Un mot ? Plutôt neuf – ils sont affichés juste à côté de ma porte d’entrée et m’accompagnent dans la majorité de mes décisions : “ Imagine, tu le fais et ça se passe bien.”

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Par Eduardo Costerg

Une Maison liée au destin de Barcelone

Pour parler de l’origine de la Casa Batlló, il faut d’abord plonger dans l’histoire urbanistique de Barcelone. En effet, à partir de 1860, un ambitieux plan urbanistique — le Plan Cerdà — vient donner un nouveau souffle à la capitale catalane. Au cœur de ce plan, le Passeig de Gràcia se profile alors comme l’avenue principale de la ville, et c’est pour cette raison que les illustres familles barcelonaises ne tardent pas à s’y installer. 

Au numéro 43, un premier bâtiment est construit par Emili Sala Cortés — l’un des professeurs d’architecture de Gaudí. Josep Batlló i Casanovas, riche industriel textile, en fait l’acquisition en 1903, mais envisage de le démolir entièrement pour faire bâtir à la place la demeure de ses rêves. Il confie les clefs du projet à Antoni Gaudí qui, plutôt que de partir d’une toile blanche, convainc Batlló i Casanovas de repenser entièrement la bâtisse. L’architecte a carte blanche. En 1904, les restaurations commencent : la façade est métamorphosée, les pièces sont redistribuées et chaque élément de la maison est retravaillé comme une œuvre d’art. 1906 marque la fin des travaux et le début de la renommée de cet édifice qui, 120 ans plus tard, émerveille toujours autant. En plus d’être un des symboles de Barcelone et une fière ambassadrice du modernisme catalan, Casa Batlló est aujourd’hui inscrite au patrimoine mondial de l’UNESCO.

Des restaurations d’envergure

À partir de 2018, la Casa Batlló entreprend une grande remise en beauté et c’est bien sûr par « l’Étage noble » que cela commence. « Ici, les murs parlent, affirme Neus Zapata qui travaille sur le projet. Des choses étonnantes sont découvertes lors de chaque restauration à la Casa Batlló. » En effet, enseveli sous des couches de peinture, on redécouvre le stuc original de la maison, un trésor caché qui donne de nouveaux indices sur l’aspect premier de la maison à sa création. Des escaliers du hall principal jusqu’au toit et à la façade, rien n’est laissé au hasard ! Lampes, céramique, menuiserie, trencadis, ferronnerie… Le projet réunit des artisans et des corps de métiers aussi divers que rares. 

Mais une œuvre totale telle que la Casa Batlló demande, en plus de talent, beaucoup de temps. Lorsqu’on demande à Xavier Villanueva, architecte et membre de l’équipe de restauration, quand s’achèveront les restauration du bâtiment, sa réponse a de quoi surprendre : « Jamais ! La Casa Batlló fait l’objet de restaurations continues. Ce ne sont que les premières étapes d’un projet beaucoup plus vaste. De plus, la maison abrite encore beaucoup de mystères qu’il nous faut élucider. » 

Si cette dernière salve de restauration a pris fin en 2025, il semblerait que le bâtiment n’ait pas encore révélé tous ses secrets ! Dernière découverte en date : la restauration de la façade arrière et de la cour privée situées à l’étage noble. L’un des projet les plus ambitieux de l’histoire de la maison. « Lorsque nous avons découvert les couleurs d’origine, nous n’en croyions pas nos yeux. La façade actuelle est comme le négatif photographique de l’ancienne. » C’est ainsi que Xavier Villanueva, décrit l’émotion qu’il a ressentie en redécouvrant les couleurs d’origine cachées sous plusieurs couches de peinture. Les découvertes que nous avons faites concernent les formes, les couleurs et les matériaux utilisés dans le reste de la Casa Batlló. Au fur et à mesure de la restauration, nous avons retrouver l’essence même de Gaudí, et toute la maison a gagné en harmonie. »

Le diable est dans les détails

Pour illustrer l’esprit de la maison, difficile de ne parler que d’une pièce, que d’un élément. En fier représentant du mouvement moderniste, né à Barcelone à la fin du XIXe siècle, l’édifice fait la part belle à l’artisanat, à l’ingéniosité et à l’attention portée à chaque détail. Tout ici évoque le monde du vivant, la nature, mais aussi le rêve et l’imaginaire. Le toit préfigure les écailles iridescentes d’un dragon (en hommage à la légende de Saint George, saint patron de Catalogne), des colonnes semblables à des os, des balcons en forme de fleurs ou de masques… En ces lieux, le symbole est maître, mais il ne règne pas seul : comme dans toute œuvre architecturale, l’aspect fonctionnel de chaque pièce est un enjeu majeur. Le puits de lumière, au centre du bâtiment, incarne à la perfection cette recherche esthétique et pratique de Gaudí. Véritable cœur de la maison, le puits ,couvert par une armature en verre, permet de baigner chaque pièce de lumière naturelle. En regardant de plus près les carreaux qui le revêtent, on remarque des variations subtiles dans les nuances de bleu : plus intense aux niveaux supérieur et plus clair en bas, les couleurs diffusent la lumière de manière homogène.

« Cette demeure est spéciale, nous confie Neus Zapata, j’ai travaillé sur de nombreuses créations de Gaudí, mais dans cette maison, on lui a laissé carte blanche et il s’est vraiment amusé. Cela se voit partout : dans les couleurs, les formes, la lumière… Si on la compare à ses autres créations, celle-ci est véritablement différente. Gaudí était heureux ici ! »

Par Eduardo Costerg

Rebelle dans l’âme, rebelle dans l’art

Si le jeune Piero Fornasetti rêve d’éprouver sa fibre créative depuis qu’il est enfant, son passage à l’Académie des beaux-arts de Brera, lui laissera un goût amer. L’établissement interdit le travail sur modèle vivant ; il n’en faut pas plus pour que le jeune peintre s’indigne. À 19 ans seulement, il remet en cause ces méthodes qu’il trouve dépassées et se voit exclu de l’Académie pour indiscipline. Tant pis, il tracera sa voie ailleurs. 

Loin de se décourager, Fornasetti se fait la main dans l’atelier de son père — vendeur de machines à écrire — et expérimente plusieurs techniques de gravure et d’impression : lithographie, travail sur cuivre, pointe sèche, monotype, tout y passe. À la suite de son renvoi, en 1932 , il intègre l’École des Arts appliqués de Castello Sforzesco où il se forme en autodidacte.

Son travail paie et son imprimerie d’art ne tarde pas à attirer l’attention du grand maestro du design, Gio Ponti. L’année 1939 marque le début d’une belle collaboration entre ces visionnaires qui laisseront leur empreinte dans le patrimoine artistique italien. 

Les premières commandes affluent et le succès va crescendo, si bien qu’en 1940, Fornasetti inaugure son atelier. Meubles, couvertures de magazines, livres d’art, fresques… La force de l’artiste, c’est sa polyvalence, mais aussi sa grande intuition — ladite « Folie pratique » —, mettant la beauté et la créativité au service de l’usage.

Dès 1943, la guerre pousse Fornasetti à l’exil. Il trouve refuge en Suisse où il devient dessinateur au sein d’une entreprise textile. Au cœur de cette période trouble, la résilience est de mise : le peintre continue, malgré tout, à explorer ses aspirations artistiques. C’est à son retour à son retour à Milan que le véritable succès l’attend. Les années 50 marquent un nouvel essor pour Fornasetti, dont la renommée gagne peu à peu le reste du monde et son style inégalable fait des vagues. À la source de cette audace, un grand désir de liberté : « Je ne crois pas aux époques ni aux dates. Je n’y crois pas, affirme-t-il. Je refuse d’établir la valeur d’une chose en fonction de la date. Je ne me fixe pas de limites et rien n’est trop ésotérique pour être pris pour source d’inspiration. Je souhaite libérer mon inspiration des limites de l’habituel ».

L’obsession « Tema e variazioni » 

Fornasetti, c’est aussi un visage ; un visage de jeune femme au regard pénétrant et aux traits sereins qui n’est jamais tout à fait la même, jamais tout à fait une autre… 

Dès 1952, la série « Tema e variazioni » prend vie : Piero Fornasetti reproduit, réinterprète et recompose le portrait de Lina Cavalieri d’innombrables fois au fil des ans. L’exercice vire à l’obsession, l’obsession devient une icône. Sur les assiettes en porcelaine comme sur les lampes, au naturel ou détourné à la manière surréaliste, le visage de Lina Cavalieri prend mille et une formes ! « L’obsession de Fornasetti était contagieuse. Elle est devenue la nôtre », en vient même à conclure le journaliste Glenn O’Brien. 

Chanteuse d’opéra et actrice, Lina Cavalieri connaît, durant la première moitié du XXe siècle, un succès immense et nombre d’artistes s’entichent de celle qu’on surnomme « la plus belle femme du monde ». Si Fornasetti en fait sa muse, il ne l’a pourtant jamais rencontrée : c’est au hasard des pages d’un magazine que le visage de la cantatrice apparaît à l’artiste. Bien qu’elle incarne pour lui tous les canons d’une beauté classique, Fornasetti en fait un motif obsédant qu’il détourne avec humour et poésie, comme un signe avant-coureur du mouvement Pop art. Piero Fornasetti en avance sur son temps ? Ce ne serait pas la première fois !

Fornasetti : un nom, un héritage

Plus qu’un nom, c’est une audace singulière et un esprit créateur que Piero lègue à son fils Barnaba. Le jeune homme marche sur les pas de son père et en vient même — ironie du sort — à fréquenter l’Académie des beaux-arts de Brera. Très vite, il tire son épingle du jeu : sa collaboration avec le designer italien Ken Scott et sa position de directeur artistique pour la revue underground Get Ready lui donne des ailes et le lance dans le milieu du design. 

Dans les années 80, père et fils entament ensemble un nouveau chapitre et Barnaba rejoint l’Atelier Fornasetti. Pour inaugurer cette nouvelle collaboration, les deux designers insufflent à une Ford Granada ce petit grain de folie signé Fornasetti.

Si Piero Fornasetti disparaît en 1988, l’empreinte laisse sur le monde de l’art et du design est indélébile. Désireux de perpétuer l’héritage de son père, Barnaba reprend la direction de l’Atelier. Il consacre plusieurs années à passer en revenue le travail de son père et à en extraire la substantifique moelle. Plus encore, il décline l’univers de Fornasetti sur des supports jamais explorés jusqu’alors. Sous son impulsion, l’Atelier signe par exemple sa première collection de vêtements, lance une série de vases devenue iconique, et produit même sa version du Don Giovanni de Mozart. Barnaba étend la créativité plus loin encore en signant une collaboration artistique avec Comme des Garçons puis avec l’artiste britannique Anj Smith. La consécration arrive en 2017, alors que le designer est récompensé du MAD visionaries! Award. Il faut croire que la pomme ne tombe jamais très loin de l’arbre.

Repeindre le monde, encore et encore 

Si l’Atelier porte en lui une histoire presque centenaire, sa folie créative demeure intarissable. Fornasetti s’illustre une fois encore lors de la Milan design Week 2025. Ces dernières créations réinterprètent l’un des jeux artistiques préférés de Fornasetti : tordre les dimensions pour rendre le majestueux minuscule. Palais du XVIe siècle et système solaire deviennent les motifs parfaits pour orner les objets du quotidien. La nouvelle collection applique ce principe à la lettre, transformant la maison moderne en un univers onirique où les différents éléments interagissent dans des combinaisons toujours nouvelles. En bouleversant les proportions et en changeant les perspectives : sur les lampes de chevet, les horloges de table ou murales, la vaisselle ou les bougies parfumées, les palais de la Renaissance côtoient le confort et la modernité d’un salon moderne. 

Le ciel, quant à lui, s’invite à l’intérieur sous la forme de soleils et de lunes dotés de traits anthropomorphes. Majestueux, sévère ou malin, le Soleil est souvent un alter ego, engagé dans un dialogue silencieux avec son homologue féminin, la Lune. Dans la réduction ludique du titanesque au minuscule, ce système solaire imaginaire gravite autour de petits accessoires pour la maison. Une curieuse exploration de l’univers, où la seule règle est de laisser libre cours à l’imagination.

Enfin, cette dernière édition de la Milan design Week se place sous le signe de la collaboration. Poltrona Frau et Fornasetti poursuivent leurs efforts communs en présentant deux rééditions uniques : l’emblématique fauteuil 1919 et le coffre-bar Isidoro, imprimé du motif évocateur Ultime Notizie (« Dernières nouvelles » en italien) provenant des archives de Fornasetti. « Dernières nouvelles — dernières nouvelles du pays des merveilles de Fornasetti : Qui de mieux que Poltrona Frau pour développer ce concept et lui donner vie avec un fauteuil sur lequel, dès que je m’assois, je commence à rêver ? », confie Barnaba.

Son héritage, Fornasetti le conjugue au temps présent, le décline, l’étire au-delà des possibles. Le « classique » devient un élément de surprise ; la répétition, paradoxalement, engendre la nouveauté. Pour percer à jour cet univers régi par ses propres règles, l’imagination est la clé ; c’est ici que commence la magie de Fornasetti.

Par Eduardo Costerg

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D’origine Allemande, Verena Brausch baigne dans le milieu artistique depuis sa plus tendre enfance : « Mes parents étaient déjà dans un monde artistique. Mon père dans le théâtre, et ma mère dans l’architecture. J’ai côtoyé cet intérêt pour la créativité et le goût pour l’artisanat au quotidien ». Ateliers de théâtre, leçons de dessin, cours de peinture… sa sensibilité à l’art et sa créativité se développent au fil du temps et font grandir en elle de premières émotions pour le design.

TECHNIQUE ET CRÉATIVITÉ : L’ÉVEIL ARTISTIQUE DE VERENA BRAUSCH

Après avoir fait des études d’industrie et design, puis de design automobile à l’Université de Munich, Verena Brausch se tourne vers le monde de l’automobile une fois diplômée, et fait ses armes chez BMW et Mercedes-Benz. « Je trouvais que le milieu de l’automobile était très intéressant en termes de design justement, car ce sont souvent des projets ambitieux avec de grandes équipes, beaucoup de techniques différentes à étudier. On touche à tous les métiers. Il y a un très grand processus créatif dans ce milieu, et des moyens qui permettent d’aller au bout du projet, que l’on voit se réaliser ensuite, c’est passionnant. » explique l’artiste.

Après avoir perfectionné son sens du design, sa précision technique et son approche rigoureuse d’un processus de création, Verena Brausch ressent le besoin d’élargir son horizon créatif et sa liberté artistique. C’est lors de son déménagement à Paris qu’elle pense, puis décide de lancer sa marque de design éponyme en 2020, marquant ainsi une transition cruciale dans son parcours. « C’était mon rêve depuis toute petite : avoir ma propre entreprise, ma propre marque. C’était le bon moment ». 

C’est le début d’une grande aventure artistique.

INSPIRATION ET INNOVATION : UN VOYAGE CRÉATIF 

Marquée par ses années de travail dans l’industrie automobile et sensibilisée par une quête d’épanouissement personnel, Verena Brausch fonde ainsi son atelier et ses propres créations qu’elle souhaite minimalistes, intemporelles et sculpturales. « C’est grâce à mes années dans le monde du design automobile et cette formation continue aux proportions, aux lignes et aux projets ambitieux, que j’ai eu une base solide et précise pour démarrer mon activité d’artiste aujourd’hui. Tous les objets que je développe, c’est avec cette même philosophie que j’ai acquise dans ce milieu si spécifique. » Une véritable fusion entre technique et créativité.

Pièces de mobilier, éléments d’architecture intérieure… Chaque création signée Verena Brausch est unique, travaillée avec précision et entourée des meilleurs artisans français. « Je suis passionnée par le développement de A à Z d’une oeuvre. Je repousse toujours les limites de ce que je sais faire pour créer, je diversifie les processus de fabrication, je travaille main dans la main avec les fournisseurs… » détaille-t-elle.

Dans certaines de ses installations, Verena Brausch explore la relation entre l’espace, le temps et la perception. Elle utilise des matériaux variés, tels que le bois, le métal ou encore le marbre, pour créer des œuvres immersives et une expérience sensorielle et émotionnelle profonde. « Mon processus de création n’est jamais linéaire. Mon projet se construit avec le temps, tout n’est pas décidé dès le début de la création. Je me laisse porter par mon inspiration au quotidien : la lumière que je vois, les couleurs, la nature, tout ce qui m’entoure. C’est un véritable voyage. » précise la créatrice.

ENTRE DESIGN ET POÉSIE

Le travail artistique de Verena Brausch se distingue par une fusion innovante de design industriel et artistique, marquée par une attention particulière aux formes épurées, aux matériaux et à la durabilité. Elle combine des techniques issues du design automobile avec une esthétique minimaliste, réinterprétant des objets du quotidien et des espaces intérieurs. « Je trouve l’inspiration partout, tout le temps. » explique-t-elle.

Ses créations visent un équilibre entre fonctionnalité et beauté, explorant des lignes modernes et des textures naturelles. Son approche unique se distingue par une rigueur technique héritée de son expérience dans l’industrie, tout en maintenant une dimension artistique profonde et sensible.

« J’aime retrouver mes créations chez les différents acheteurs. Le design est imaginé par mon esprit, mais c’est son adaptation chez le client, dans son intérieur, qui me passionne. La vision absolument différente et adaptée à la sensibilité de la personne qui possède une de mes créations me fascine. » confie Verena Brausch. « Aujourd’hui, je souhaite essayer de nouvelles choses. Nous agrandissons notre collection avec de nouveaux objets, de nouvelles formes, différents matériaux. Nous pensons également commencer à nous diversifier en imaginant des collections en collaboration avec des marques plus industrielles… à suivre. »

Poétique, l’univers Brausch interroge sur la nature de l’existence, les frontières entre l’imaginaire et le réel.

Pour en savoir plus sur Verena Brausch :

https://www.verenabrausch.com
https//www.instagram.com/verenabrausch/

UNE FENÊTRE FUTURISTE SUR LA VALLÉE DE JOUX ET LE SAVOIR-FAIRE AUDEMARS PIGUET

La spirale du Musée Atelier a été imaginée par BIG et réalisée par le bureau d’architecture suisse CCHE. Entièrement portée par ses murs de verre incurvés, elle représente une prouesse d’ingénierie et de design, une première mondiale à cette altitude. Le vitrage incurvé soutient entièrement le toit en acier, tandis qu’un subtil treillis en laiton encercle la surface extérieure pour réguler lumière et température. Végétalisé, le toit permet de neutraliser les variations de température, tout en absorbant l’eau.

Ce pavillon a été conçu pour s’intégrer parfaitement à son environnement. Les sols, suivent différentes inclinaisons, s’adaptant à la pente naturelle du terrain, et ont dicté l’aménagement intérieur du musée. À l’intérieur, les parois de verre incurvées convergent dans le sens des aiguilles d’une montre vers le centre de la spirale, avant de se dérouler dans le sens inverse : les visiteurs traversent le bâtiment dans un mouvement similaire à celui du ressort spiral d’une montre. Distinctive et avant-gardiste, la spirale exprime l’engagement de la Manufacture en faveur de l’environnement et de l’innovation, tant dans ses projets industriels que culturels. Le Musée Atelier Audemars Piguet répond aux dernières exigences Minergie suisse en matière d’efficience énergétique et d’excellence de construction.

Le bâtiment historique, datant de 1868, a été entièrement rénové pour accueillir les visiteurs dans un univers de boiseries et de pierres anciennes. C’est là, au dernier étage où la lumière est la plus abondante, que Jules Louis Audemars et Edward Auguste Piguet ont créé leur atelier en 1875. Ce projet de rénovation a réuni de nombreux talents qui ont œuvré à restituer l’âme et l’architecture vernaculaire de la Maison des Fondateurs. Le bureau d’architectes suisse CCHE a étroitement collaboré avec des artisans locaux et le département du Patrimoine d’Audemars Piguet. Se basant sur des documents d’archives, ils ont notamment habillé les murs de parois en bois provenant de maisons villageoises traditionnelles de la Vallée.

UNE VISITE DU MUSÉE ATELIER

Le Musée Atelier Audemars Piguet illustre l’esprit visionnaire de la Manufacture. Sa scénographie raconte l’évolution de l’horlogerie à la vallée de Joux – révélant comment elle est devenue l’un des berceaux de la Haute Horlogerie suisse – avant de présenter une riche sélection de pièces historiques et contemporaines du patrimoine Audemars Piguet.

Imaginée par le scénographe allemand ATELIER BRÜCKNER, la visite est rythmée de crescendos, de moments forts et contemplatifs. Les facettes techniques et créatives de l’horlogerie se racontent à travers divers sculptures, automates, installations cinétiques, maquettes de mouvements mécaniques complexes et tables didactiques. Cette expérience se prolonge pour le visiteur jusqu’à l’établi qui l’invite à découvrir certaines des techniques ancestrales, comme le satinage et le perlage.

Le Musée Atelier Audemars Piguet illustre le savoir-faire séculaire de ses fondateurs au cœur de la spirale à travers deux ateliers où les montres les plus compliquées de la Manufacture sont aujourd’hui encore créées. Le premier, dédié aux Grandes Complications, voit naître des mains d’un seul et même horloger des montres comptant quelque 648 composants et nécessitant de 6 à 8 mois de travail d’assemblage, d’ajustage et de réglage. Le second, appelé Métiers d’Art, réunit maîtres-joailliers, sertisseurs et graveurs qui donnent vie à des chefs-d’œuvre de Haute Joaillerie. A la fois tournés vers le passé, le présent et l’avenir, ces ateliers incarnent l’esprit sans compromis d’Audemars Piguet.

«Le Musée Atelier Audemars Piguet est un lieu unique de découvertes, d’apprentissage et de convivialité, où connaissances et savoir-faire sont transmis aux générations suivantes. Les défis techniques de son architecture et de sa scénographie font de lui l’équivalent muséographique d’une Grande Complication horlogère.»

Sébastian Vivas
Directeur du musée et du patrimoine Audemars Piguet

Les visites s’effectuent uniquement sur réservation.
Veuillez réserver votre billet d’entrée via le site de réservation: www.museeatelier.audemarspiguet.com

Né pour la grandeur

C’est une histoire qui commence dans une petite ville de l’est de la France et dont le nom résonne à travers les âges, d’un bout à l’autre du monde : Baccarat. Ici, en 1764, le roi Louis XV donne la permission de bâtir une verrerie, sans savoir encore que celle-ci entrera dans la légende. Entre ses murs, il est question d’alchimie, de magie : d’audacieux artisans transforment les quatre éléments de la nature, la terre, l’air, le feu et l’eau, en un verre d’une qualité inégalable. Il leur faudra cinquante-deux ans pour mettre au point une formule au secret bien gardé permettant d’obtenir le cristal le plus pur du monde. Ainsi, en 1816, naît le cristal Baccarat.

Cette matière, travaillée avec tout le savoir-faire dont font preuve les artisans de la Maison, ne tarde pas à séduire par « son fini et sa beauté », le roi Louis XVIII qui lance alors une longue série de commandes prestigieuses. En 1828, la manufacture accueille le roi Charles X et lui offre une aiguière avant de réaliser en son honneur un service de verres. Douze ans plus tard, le calice d’apparat imaginé pour Louis-Philippe, roi des Français, achève de consacrer Baccarat comme symbole de l’Art de vivre à la Française.

Si la notoriété de la Maison s’est propagée à travers tout l’Hexagone, celle-ci part à la conquête du monde dès 1855, lors de l’Exposition universelle de Paris. Au fil des années, Baccarat met en lumière le savoir-faire hors pair de ses artisans à travers des pièces aussi exquises que monumentales. La cristallerie donnera vie à un temple grandeur nature, entièrement réalisé en cristal, ou encore à un navire dont la proue allie la transparence de cette matière et l’éclat de l’or. Exposées aux yeux des visiteurs, ces créations éclatantes rendent visible l’exceptionnel.

La noblesse du monde entier n’a d’yeux que pour la somptueuse alchimie de Baccarat, un art du feu et du souffle, source de joie universelle. Le cristal de la manufacture orne les palais comme les plus belles tables du monde : mobilier spécialement dessiné pour les maharadjahs des Indes, candélabre dit « du Tsar » imaginé pour Nicolas II, luminaires pour le palais de Dolmabahçe, à Istanbul, pièces commandées par Napoléon III comme par la cour impériale japonaise… D’un bout à l’autre du globe, la beauté et l’élégance se célèbrent dans la pureté et dans l’éclat translucide du cristal Baccarat.

L’artisanat de la lumière : une passion à transmettre

Si les gestes des verriers de la manufacture sont ancestraux, Baccarat a su faire preuve de toute l’audace et l’ingéniosité nécessaires pour faire souffler un vent d’avant-garde sur son passage. Première Maison à présenter des éléments de lustrerie en 1827 et des pièces de couleur dès 1839, animée par cette culture pionnière de l’innovation, la cristallerie et ses artisans ne cessent de repousser les limites de leur art. Aujourd’hui, celle-ci compte dans ses rangs douze Meilleurs Ouvriers de France — le plus grand nombre parmi les Maisons françaises — ainsi que deux Chevaliers des arts et des lettres. La Maison s’inspire de son patrimoine pour créer les tendances de demain et flirter avec l’intemporel, comme l’illustre l’indémodable verre Harcourt, véritable icône de la Maison depuis 1841.

Baccarat s’est fait un devoir de préserver l’artisanat, aussi précieux qu’ancien, qui a fait sa renommée. Engagée dans une démarche de mémoire et de transmission, la manufacture possède sa propre école où sont formés, dans les règles de l’art, les verriers de demain — certains peuvent déjà prétendre au titre de Meilleurs Apprentis de France. Leur savoir-faire s’exprime lors d’une chorégraphie millimétrée, par laquelle la magie s’opère : ainsi débute le voyage à travers les ateliers. On sculpte la matière d’un souffle, au cœur des flammes ; le sable se fait cristal, et le cristal se fait objet d’exception. Chacun d’eux est caressé,, sublimé, contemplé à maintes reprises et sous toutes les coutures. Rien ne peut être laissé au hasard.

Fruit d’un travail de création collective, façonnées une à une par un ensemble d’artisans, les créations de la Maison content l’histoire d’un héritage, d’un amour de la matière, et d’un travail exigent. Chez Baccarat, le feu de la passion ne s’est jamais éteint et brûle pour toujours.

Si les gestes des verriers de la manufacture sont ancestraux, Baccarat a su faire preuve de toute l’audace et l’ingéniosité nécessaires pour faire souffler un vent d’avant-garde sur son passage. Première Maison à présenter des éléments de lustrerie en 1827 et des pièces de couleur dès 1839, animée par cette culture pionnière de l’innovation, la cristallerie et ses artisans ne cessent de repousser les limites de leur art. Aujourd’hui, celle-ci compte dans ses rangs douze Meilleurs Ouvriers de France — le plus grand nombre parmi les Maisons françaises — ainsi que deux Chevaliers des arts et des lettres. La Maison s’inspire de son patrimoine pour créer les tendances de demain et flirter avec l’intemporel, comme l’illustre l’indémodable verre Harcourt, véritable icône de la Maison depuis 1841.

Baccarat s’est fait un devoir de préserver l’artisanat, aussi précieux qu’ancien, qui a fait sa renommée. Engagée dans une démarche de mémoire et de transmission, la manufacture possède sa propre école où sont formés, dans les règles de l’art, les verriers de demain — certains peuvent déjà prétendre au titre de Meilleurs Apprentis de France. Leur savoir-faire s’exprime lors d’une chorégraphie millimétrée, par laquelle la magie s’opère : ainsi débute le voyage à travers les ateliers. On sculpte la matière d’un souffle, au cœur des flammes ; le sable se fait cristal, et le cristal se fait objet d’exception. Chacun d’eux est caressé,, sublimé, contemplé à maintes reprises et sous toutes les coutures. Rien ne peut être laissé au hasard.

Fruit d’un travail de création collective, façonnées une à une par un ensemble d’artisans, les créations de la Maison content l’histoire d’un héritage, d’un amour de la matière, et d’un travail exigent. Chez Baccarat, le feu de la passion ne s’est jamais éteint et brûle pour toujours.

Baccarat x Marcel Wanders, une longue complicité

Tour à tour, de grands artistes et designers comme Dali, Ettore Sottsass, Philippe Starck, Jaime Hayon, Virgil Abloh, prêtent leur talent et leur force à la Maison. À travers des collaborations inédites, chacun infuse une vision artistique singulière dans la pureté du cristal, allant jusqu’à défier les lois de la matière. Brouillant les frontières entre art, architecture et design, cette complicité absolue entre artistes et artisans fait émerger de nouvelles perspectives et enrichit au fil du temps le vocabulaire esthétique de Baccarat.

Pour célébrer son 260e anniversaire, la Maison signe, à quatre mains avec Marcel Wanders, la collection New Antique : des créations inspirées des chefs-d’œuvre de Baccarat acclamés lors des grandes Expositions universelles, célébrant le talent de ses artisans d’élite. Fusionnant la beauté du marbre et du cristal, la collection New Antique incarne une élégance intemporelle teintée d’avant-gardisme. Imaginée comme un univers enchanteur, la collection New Antique vous convie à un voyage au cœur du raffinement, entre la minéralisé du marbre et la fragilité poétique du cristal.

Marcel Wanders n’est pas étranger à l’univers Baccarat. Depuis 2010 s’est tissée une collaboration durable entre la Maison et le designer, entre héritage et modernité, tradition et innovation. Collection United Crystal Woods, majestueux lustre Roi Soleil, Jeu d’échecs et de Go, ou Backgammon aux allures de pierres précieuses : c’est un imaginaire étincelant et sans cesse renouvelé qui émerge. On confie même au designer néerlandais le soin de revisiter l’icône Harcourt.

Une chose est sûre, Baccarat n’a pas fini d’émerveiller le monde de ses créations et de son savoir-faire : en 260 ans, la Maison s’est forgé une réputation à la hauteur de son héritage et, désireuse de repousser les limites de son art, elle ne cesse de se réinventer, encore et toujours. C’est peut-être cela le secret de sa longévité…

Demain, c’est déjà aujourd’hui

Visionnaire », c’est un mot que Mathieu Lehanneur n’aime pas ; il ne cherche pas à courir plus vite que le temps. Bien au contraire, son travail s’évertue à cristalliser l’air de son époque, à ouvrir des portes sur le présent. « On est dans un monde qui consomme tellement de nostalgie que lorsque vous mettez en avant une chose qui a du sens aujourd’hui, elle apparaît pour certains comme un futur. Arrêtons de manger trop de passé ! », clame le designer lors d’une interview donnée par Maison&Objet.

Pourtant, on ne peut pas nier que la singularité de l’univers de Mathieu Lehanneur ainsi que la globalité de sa démarche créative en font un éclaireur en matière de design. Déjà sur les bancs de l’École Nationale Supérieure de Design Industriel de Paris, le jeune créateur prend des chemins de traverse : il interroge le rapport entre design et médicaments, son impact sur le patient et la relation que celui-ci entretient avec son traitement. Sa réflexion capte l’attention du MoMa, de l’autre côté de l’Atlantique et, en 2001, Lehanneur, tout juste diplômé et à la tête de son propre studio, intègre la collection permanente du célèbre musée. Six ans plus tard, nouveau coup de maître : en collaboration avec l’Université de Harvard — l’Amérique ne peut plus se passer de lui —, Mathieu Lehanneur conçoit Andréa, un purificateur d’air vivant qui met à contribution les propriétés assainissantes des plantes. Le résultat, à mi-chemin entre la serre miniature et le diffuseur, aurait plus volontiers sa place dans une navette spatiale que dans un loft new-yorkais ; et pourtant. Si la réflexion à l’origine d’Andréa découle bien des observations de la NASA, elle s’inscrit dans une perspective plus vaste, plus triviale : entre le spacecraft et notre habitation, parfois il y a un monde, parfois il n’y a qu’un pas. 

On l’aura compris, Lehanneur est un « touche-à-tout ». Ses recherches autour du tangible et de l’intangible le pousse à explorer des champs aussi riches qu’éclectiques : science, art, nouvelles technologies, esprit start-up, savoir-faire artisanal, etc. « Je suis un designer qui ne sait pas ce qu’est le design, explique le créateur, ou plus précisément, où est ce qu’il commence et où est-ce qu’il finit. Le design est un territoire ouvert, sans frontières fixes. C’est une grande chance et un champ d’opportunités infinies. »

Donner corps aux rêves par la matière

L’idéal de Mathieu Lehanneur tient en peu de mots : « enlever progressivement tous les obstacles entre le rêve et les moyens de sa réalisation. Vaste programme. Pourtant, le créateur n’en est pas à sa première ébauche. À plusieurs reprises déjà, il est parvenu à inoculer à la matière la substance des rêves et a déjoué les lois de la physique. La preuve en est, on retient son souffle en s’asseyant sur le banc de la collection Inverted Gravity : six bulles de verre d’une délicatesse infinie soutiennent une assise massive, monolithique, en marbre ou en onyx. Le contraste entre la pierre et le verre, entre la légèreté et la pesanteur, est saisissant et crée une tension immense, surréelle. Pourtant, l’apparente délicatesse de la structure n’est qu’une illusion : « Comme dans la conquête spatiale, la poésie de la quête n’est possible que parce qu’elle est soutenue par une incroyable expertise technologique. Ici, chaque bulle de verre est capable de supporter plus de 250 kg », peut-on lire sur la fiche technique. En défiant l’impossible, les meubles de la série Inverted Gravity, de la table à manger au tabouret, viennent redéfinir l’espace autour d’eux comme si — bug dans la matrice — les règles les plus élémentaires du réel n’avaient plus cours. 

Ces jeux de matières, ce basculement vers le fantastique, parcourent tout le cheminement créatif de la marque MATTHIEU LEHANNEUR. On en retrouve une superbe expression dans les tableaux aquatiques de la collection Ocean Memories. Ici, le créateur français joue aussi au maître du temps et retranscrit la fluidité des vagues dans l’immobilisme du marbre. Un nouveau tour de passe-passe entre inertie et mouvements, état liquide et solide. Bon joueur, il nous en expose les ficelles : « La poésie n’est pas une figure de style, mais le meilleur moyen de combiner des mots ou des idées qui semblaient incompatibles. En ce sens, l’approche poétique crée un tout cohérent à partir de notions et de connaissances multiples. Ma poésie est toujours fonctionnelle. Mais à la poésie, je préfère la notion de magie. Je veux que nos pièces portent une part d’inexplicable, qu’elles provoquent une émotion et suscitent l’émerveillement. »

2024, un âge d’or

L’année commence très fort pour Lehanneur. En janvier dernier, Maison&Objet le sacre Designer de l’année alors qu’il dévoile son installation Outonomy. Réinvention moderne de la caverne originelle, havre de paix monochrome — d’un jaune solaire — inspiré des mouvances survivalistes, le projet fait souffler un vent d’indépendance et de liberté sur le salon, incarnant avec brio le thème de cette année : Tech Eden. On suit le créateur dans le déroulement de sa pensée : « Tech Eden est un oxymore qui nous invite à revenir aux sources, mais en maîtrisant le “code source”, en combinant la nature et la technologie. ». Une réflexion sur l’Homme et la nature, certes, mais pas question de revenir sur nos pas ! Ce paradis high-tech interroge avant tout nos besoins et nous invite à repenser les piliers de nos nécessités premières : notre alimentation, notre énergie, nos activités, notre sécurité et notre confort. Lehanneur préfère ici la cabane au bunker ; pas d’apocalypse en vue, bien que le drone à hélium qui flotte au-dessus de l’installation ne soit, au premier abord, pas des plus rassurants. Pourtant le créateur nous invite à reconsidérer notre vison des choses : « Le drone n’est pas là pour surveiller l’humain, mais son environnement, pour prendre un peu de hauteur et voir plus loin. C’est un belvédère flottant, une vigie ». Chaque élément qui compose Outonomy se veut donc porteur de quiétude et optimiste : « Fuir, respirer, vivre, ailleurs… C’est un projet de vie possible, mais également une façon d’adresser la question implicite à chaque visiteur : “Êtes-vous prêt ?”, explicite son créateur. J’ai voulu proposer une vision alternative à la représentation moderne de l’Homme dominant la nature. »

Retour à la civilisation. Paris est en pleine effervescence. La capitale s’apprête à accueillir les Jeux Olympiques et Paralympiques : un nouveau défi pour le designer français à qui l’on a confié la conception de la Torche et de la Vasque. Mathieu Lehanneur ne cache pas son enthousiasme : « Dessiner la Torche des Jeux est un rêve de créateur. Un rêve qui ne se produit qu’une fois dans une vie, comme une rencontre miraculeuse avec la grande Histoire. » L’enjeu est de taille : on parle ici de donner corps à un véritable symbole, mais les idées fusent déjà dans l’esprit du créateur. C’est sous les signes de l’égalité, de l’eau, et de l’apaisement qu’il tient à placer l’évènement. L’égalité, c’est la parité absolue des athlètes qui s’exprime dans la symétrie parfaite de la Torche ; pour la première fois, elle joue de cette dualité et de cet équilibre. L’eau, c’est la Seine bien sûr, qui fait battre le cœur de la ville — un art de vivre, une manière qu’on les Parisiens de flâner au fil du fleuve. La Torche s’en inspire, ses reflets, ses ondulations rendent au métal poli sa forme liquide. L’apaisement, enfin, naît d’un dessin tout en courbes et en lignes continues — car même si les Jeux mettent à l’honneur l’esprit de compétition et la quête de performance, la flamme, elle, se veut symbole de paix.

2024 sera donc pour Mathieu Lehanneur une consécration de plus. Si son parcours est déjà semé d’étoiles, le designer n’est pas prêt de s’arrêter en si bon chemin. En juin prochain, il inaugurera un nouveau Pied-à-Terre à New York — un lieu exclusif, situé dans l’un des plus beaux gratte-ciels de la ville, qui mettra en dialogue ses dernières pièces et son univers. Il reste encore de bonnes idées à trouver, des dogmes du réel à renverser, des choses à dire à travers les objets. J’imagine que vous êtes limité par le nombre de caractère, mais

 Mathieu Lehanneur et sa marque éponyme ont encore de beaux jours devant elle  : « Parce que nous avons besoin d’intelligence et de transcendance, parce que nous vivons le réel, mais que nous aspirons au merveilleux, parce que l’eau, l’air, le feu et le temps sont nos piliers, parce que la magie est à la fois un rêve et une science… », comme le proclame son manifeste.